Conosciuto in Italia e non solo come il maestro del brivido, Dario Argento è regista, autore e sceneggiatore che indubbiamente è riuscito in qualche modo a inventare un genere e a legare ad esso il proprio nome.

La sua filmografia comprende quasi esclusivamente film thriller e film horror. Il suo modo di incorniciare l’omicidio, la morte, è talmente idiosincratico e particolare che certamente non si fatica a riconoscerne l’impronta.

Da anni vediamo nelle sue pellicole la secondogenita, Asia Argento, anch’essa valutata dalla critica in modo alternato; la primogenita Fiore Argento non è invece riuscita a raggiungere la medesima popolarità, anche se l’abbiamo vista in Phenomena e, più di recente, ne Il Cartaio.

Facendo due passi generazionali all’indietro, il padre di Dario è Salvatore Argento, funzionario dell’Unitalia, divenuto poi produttore cinematografico, a partire da L’uccello dalle piume di cristallo fino a Tenebre.

Dal canto suo la madre, Elda Luxardo, brasiliana, è una fotografa di moda. La figura materna sembra averne stimolato l’attenzione al dettaglio, l’interesse per l’illuminazione e l’inquadratura della donna, lo zoom su aspetti non immediatamente evidenti a colpo d’occhio.

La sua carriera nel cinema inizia in sordina come critico cinematografico per il quotidiano Paese Sera, forte di una grande passione per il cinema e di un profondo background conoscitivo. Alla fine degli anni sessanta si dà da fare collaborando alla stesura dei copioni di diversi B-movie. Tra i titoli ricordiamo quelli variopinti di Cimitero senza croci, La stagione dei sensi, Comandamenti per un gangster, La rivoluzione sessuale, Probabilità zero. Nello stesso periodo, però, scrive anche, assieme a Bernardo Bertolucci il soggetto di C’era una volta il West di Sergio Leone.

Nel 1969 gli Argento, padre e figlio, creano la S.E.D.A. Spettacoli, una società di produzione, dalla quale esce la sua prima produzione: L’uccello dalle piume di cristallo. Nel film si delinea quello che sarà uno stile di regia dal quale non si separerà effettivamente mai.

La storia si ripete e si approfondisce con Quattro mosche di velluto grigio; l‘attenzione ossessiva per certi bersagli, l’importanza data alla fotografia e alle riprese in soggettiva, per non parlare del focus attentivo tutto orientato al sottolineare la sincronicità dei colori.

Prima del 1975 si è già guadagnato il titolo di Hitchcock italiano, e prima di quella che potremmo definire “la grande svolta”, nel 1973 Argento si vede costretto, a dirigere quello Le cinque giornate, un film storico che esula decisamente dalle sue produzioni consuete.

Nel 1975 arriva Profondo rosso, thriller dai toni horror dalla trama e dalla sceneggiatura molto, molto solide. Le sequenze degli omicidi sono esasperate, tutto è portato all’estremo. Personalmente quando l’ho visto sono rimasto terrorizzato.

La morte, con Profondo Rosso, diventa quasi un’entità, diventa “cattiva”, ti dà la caccia, ti segue ovunque, e poi gioisce nel vedere la tua carne lacerata. Profondo Rosso rappresenta una sorta di pedana di lancio che porta Argento, nel 1977, a realizzare il suo capolavoro: Suspiria, dalla suggestiva ambientazione, ci racconta i raccapriccianti eventi legati alla figura misteriosa di Mater Suspiriorum.

Gli anni ottanta iniziano in modo prolifico con Inferno (1980), che viene considerato un sequel ideale di Suspiria, e che ne rappresenta una sorta di estremizzazione, seguito, nel 1982, da Tenebre, in cui ritornano i temi della psicopatia e del feticismo sessuale, per non parlare della violenza estrema degli omicidi.

Successivamente è la volta del bellissimo Phenomena (1985), seguito dal tetro Opera (1987). E’ a partire da questi anni che inizia, precoce, la carriera della figlia Asia Argento, nata dall’unione del padre con l’attrice fiorentina Daria Nicolodi.

Nel 1984, a soli 9 anni, esordisce infatti nel Sogni e bisogni, di Sergio Citti, per poi partecipare a Zoo (1988) diretto da Cristina Comencini; l’anno successivo Nanni Moretti la vuole in Palombella rossa, ma tutti la conosciamo soprattuttpo per la collaborazione cinematografica col padre.

Sono cinque i film dell’orrore in cui il padre l’ha seguita: il primo è La chiesa di Michele Soavi (1989), che Dario Argento ha scritto e prodotto. Nei successivi Asia è stata anche diretta dal padre: parliamo di Trauma (1993), giallo-horror dalle numerose decapitazioni, La sindrome di Stendhal (1996), Il fantasma dell’Opera (1998) e, il più recente, La terza madre (2007). Il padre non si avvale invece della partecipazione della figlia per Non ho sonno (2001) e Il Cartaio (2004), e potrebbe fare a meno di lei anche in GIALLO a causa della seconda maternità di questa.

Senza il padre abbiamo visto Asia in Le amiche del cuore (1992) di Michele Placido, il divertente Perdiamoci di vista (1994) di e con Carlo Verdone , Compagna di viaggio di Peter Del Monte, e Viola bacia tutti (1997) di Giovanni Veronesi.

La sua carriera è connotata da colori internazionali a partire da New Rose Hotel (1998) del grande regista americano Abel Ferrara, per proseguire con I miserabili Josée Dayan, e compare anche nel film di Rob Cohen xXx.

Si occupa anche di regia, iniziando con Prospettive (1994), cortometraggio, per poi girare il lungometraggio Scarlet Diva, di scarso successo, e la successiva opera seconda, Ingannevole è il cuore più di ogni cosa.

Come cantante collabora con Dimitri Tikovoi in Trash Palace, per giungere, nel 2008, a lavorare nell’album Da A.. Ad A, dedicato a Morgan, suo ex grande amore; il disco è dei riuniti Bluvertigo e a canzone è Liebestod, una ballata in inglese.

Questa settimana il Cinemaniaco dedica, nell’ambito della rubrica Famiglie Cinematografiche, un omaggio a Gabriele, Silvio e Laura Muccino, rispettivamente regista, attore e regista ed affermata castista. L’occasione è altresì appropriata, poiché il successo di Gabriele parte dal Torino Film Festival, che proprio quest’oggi apre i battenti con la sua 26ma edizione.

Gabriele è un noto ed intraprendente regista di fama internazionale. Si avvicina al cinema lavorando con Pupi Avati, nel film televisivo E’ proibito ballare, e successivamente con Marco Risi. Nel frattempo collabora con la Rai, firmando la regia di tre cortometraggi ed alcuni episodi della fiction Un posto al sole.

Sarà l’anno 1998 a decretare il suo primo lungometraggio Ecco fatto, interpretato da Barbora Bobulova, Giorgio Pasotti, Claudio Santamaria e Anita Laurenzi, ammesso nella sessione “concorso” al Torino Film Festival, con buona pace di critica e pubblico.

Tra uno spot televisivo e l’altro, interpretati rispettivamente da Bisio e Abatantuono, arriva Come te nessuno mai, garbato e divertente ritratto d’adolescenti, che riscuote successo alla Mostra del Cinema di Venezia, e nel quale debutta come attore il fratello Silvio, decretato dal nostro blog, come uno degli attori emergenti più talentuosi del panorama cinematografico italiano.

Nel 2001 arriva L’ultimo bacio, una cinica e disillusa riflessione sulle difficoltà nella vita di coppia della sua generazione, che lo consacra come uno dei protagonisti della scena cinematografica italiana, conquistando cinque David di Donatello, tra cui quello per il miglior regista. Il film ottiene un buon successo anche all’estero, in particolar modo al Sundance Film Festival, importante manifestazione dedicata al cinema indipendente, dove vince il premio del pubblico. La celebre rivista di cinema “Entertainment Weekly” lo annovererà tra i dieci migliori titoli dell’anno.

Forte del successo estero, nel 2006 esce un remake hollywoodiano, The Last Kiss, diretto da Tony Goldwyn, del quale Muccino è tra i produttori, tuttavia considerato dalla critica inferiore all’originale italiano.

Nel 2003 esce il nuovo e atteso film, Ricordati di me, con Monica Bellucci, Fabrizio Bentivoglio, Laura Morante, Silvio Muccino e Nicoletta Romanoff, salutato da un ampio consenso critico, seppur in maniera minore al film precedente.

Nel 2006 sbarca a Hollywood per dirigere La ricerca della felicità, con Will Smith; l’attore statunitense, anche produttore della pellicola, ha personalmente scelto Muccino come regista dopo aver visto e gradito i suoi film precedenti.

Rivedremo Gabriele Muccino alla regia di Sette anime (Seven Pounds), film del 2008 che debutterà in prima mondiale il 12 dicembre negli USA mentre in Italia verrà distribuito nelle sale il 9 gennaio del prossimo anno. La pellicola narra le vicende di Ben Thomas che, per il rimorso di aver provocato un incidente che è costato la vita a sette persone, architetta un piano folle: suicidarsi e donare a sette persone che ne hanno bisogno i suoi organi. Accade però che si innamori della donna a cui deve donare il cuore.

Chi non ricorda il marinaio volgare del sud che prende a ceffoni e a calci una ricca industriale del nord, fino a farla innamorare di lui? Si, è proprio lui, Giancarlo Giannini, cui il Cinemaniaco quest’oggi, dedica all’interno della rubrica “famiglie cinematografiche”, una ricca ed accurata biografia e filmografia.

Tra i più dotati ed apprezzati attori del panorama italiano, ha alle spalle una lunga e ricca carriera, durante la quale ha saputo interpretare un’ampia gamma di personaggi, diversissimi tra loro, grazie alla sua straordinaria versatilità, che gli ha consentito di passare dal proletario al boss mafioso, dalla commedia al dramma, utilizzando con disinvoltura anche numerosissimi dialetti, meridionali e settentrionali.

Debutta a teatro a soli 18 anni con In memoria di una signora amica, di Giuseppe Patroni Griffi, accanto a Lilla Brignone. Successivamente il regista Beppe Menegatti gli affida la parte del folletto Puck in Sogno di una notte di mezza estate, di William Shakespeare. È proprio il teatro a regalargli i primi successi, soprattutto grazie al Romeo e Giulietta di Franco Zeffirelli, che entusiasma addirittura il pubblico raffinato dell’Old Vic di Londra, e con La lupa, sempre sotto la direzione di Zeffirelli, accanto ad Anna Magnani.

nel 1965 esordisce nel cinema con una parte in Fango sulla metropoli di Gino Mangini. Seguono molte altre apparizioni, ma raggiunge la popolarità soltanto nel 1965, interpretando il ruolo del protagonista nello sceneggiato televisivo David Copperfield, adattamento del romanzo omonimo di Charles Dickens, firmato da Anton Giulio Majano che lo dirigerà ancora qualche anno più tardi in E le stelle stanno a guardare (1971).

Fondamentale in quel periodo è anche l’incontro con la regista italiana, Lina Wertmüller, con la quale in futuro lavorerà più volte, che nel 1967 gli offre il suo primo ruolo da protagonista, nel musicarello Non stuzzicate la zanzara, al fianco di Rita Pavone.

Proprio dalla collaborazione con la Wertmüller, nascono alcuni dei più celebri personaggi interpretati da Giannini, grotteschi e ironici; Mimì metallurgico ferito nell’onore (1972), Tunin in Film d’amore e d’anarchia, ovvero stamattina alle 10 in Via dei Fiori nella nota casa di tolleranza (1973), il marinaio Gennarino Carunchio in Travolti da un insolito destino nell’azzurro mare d’agosto (1974), tutti interpretati insieme a Mariangela Melato, e Pasqualino Settebellezze (1975).

Questi ruoli gli portano il successo nazionale e internazionale e gli fanno guadagnare diversi riconoscimenti: Nastro d’Argento come miglior attore nel 1973, premio come miglior attore al Festival di Cannes del 1973, e una nomination all’Oscar come miglior attore protagonista nel 1977.

Nel corso della sua lunga carriera, Giannini ha lavorato con molti dei migliori registi del panorama italiano; tra questi figurano Luchino Visconti (L’innocente, 1976), Sergio Corbucci (Il bestione, 1974; Bello mio, bellezza mia, 1982), Mario Monicelli (Viaggio con Anita, 1979; I Picari, 1988; Il male oscuro, 1990), Dino Risi (Sessomatto, 1973 e per la televisione Vita coi figli, 1990), Alberto Lattuada (Sono stato io, 1973), Nanni Loy (Mi manda Picone, 1984, David di Donatello come miglior attore protagonista), Tinto Brass (Snack Bar Budapest, 1988), Franco Brusati (Lo zio indegno, 1989).

Tra gli altri numerosi film da lui interpretati si ricordano I divertimenti della vita privata (1990) di Cristina Comencini, Giovanni Falcone (1993) di Giuseppe Ferrara, Celluloide di Carlo Lizzani (1996, altro David di Donatello come migliore attore protagonista), La stanza dello scirocco di Maurizio Sciarra (1998, Nastro d’argento come miglior attore protagonista).

Ed ancora, La cena di Ettore Scola (1998, altro Nastro d’argento, condiviso con tutto il cast artistico maschile), Milonga (1999) di Emidio Greco, Una lunga lunga lunga notte d’amore (2001) di Luciano Emmer, Ti voglio bene Eugenio, di Francisco Josè Fernandez (2002, altro David di Donatello come migliore attore protagonista), Per sempre (2003) di Alessandro di Robilant, Piazza delle cinque lune (2003) di Renzo Martinelli, L’acqua… il fuoco (2003) di Luciano Emmer, ed Il cuore altrove (2003) di Pupi Avati.

Un Giancarlo Giannini non solo italiano ma anche estero; dopo aver lavorato con Rainer Werner Fassbinder in Lili Marleen (1980), seguirono numerose apparizioni anche nel cinema statunitense, tra cui l’episodio La vita senza Zoe, diretto da Francis Ford Coppola in New York Stories (1989), Il profumo del mosto selvatico (1995) di Alfonso Arau, Hannibal (2001) di Ridley Scott, grazie al quale vinse nuovamente il Nastro d’Argento come miglior attore non protagonista, Man on fire (2004) di Tony Scott, ed i film di 007 Casino Royale (2006) di Martin Campbell e Quantum of Solace (2008) di Marc Forster.

Tra i numerosi riconoscimenti, oltre a quelli già citati, troviamo un altro David di Donatello, vinto nel 1995 come miglior attore non protagonista in Come due coccodrilli di Giacomo Campiotti, ed una Targa d’Oro dell’Ente David di Donatello (2000). Ha ricevuto un ulteriore Nastro d’Argento come miglior doppiatore maschile nel 1994 per aver prestato la voce ad Al Pacino in Carlito’s Way di Brian De Palma.

Giannini, grande attore ma anche ottimo doppiatore. Ha prestato la voce ad attori del calibro del già citato Al Pacino , di cui è voce ufficiale, Jack Nicholson, Michael Douglas, Gérard Depardieu, Jeremy Irons, Dustin Hoffman (ne Il maratoneta), Ian McKellen (in Riccardo III), Ryan O’Neal (in Barry Lyndon) e Leonard Whiting (in Romeo e Giulietta).

Stanley Kubrick in particolare si complimentò con lui per il doppiaggio a Nicholson in Shining (1980). Giannini lo ha doppiato anche nel ruolo di Joker nel film Batman di Tim Burton.

Dei suoi quattro figli, il secondogenito Adriano, ha seguito le orme del papà, debuttando come attore nel 2001 con il film vincitore a Locarno, Alla rivoluzione sulla due cavalli, di Maurizio Sciarra.

A 18 anni inizia a lavorare come aiuto operatore in Evelina e i suoi figli, film TV diretto dalla madre, Livia Gianpalmo. Inizia a lavorare come regista, affiancando, tra gli altri, Giuseppe Tornatore in Una pura formalità, Rob Cohen in Daylight – Trappola nel tunnel, ed Anthony Minghella ne Il talento di Mr. Ripley.

Nel 2002 viene scelto da Madonna per interpretare il remake di Travolti da un insolito destino nell’azzurro mare d’agosto di Lina Wertmuller. In questo film, diretto da Guy Ritchie, interpreta lo stesso ruolo interpretato dal padre nel 1974. Travolti dal destino (2003) è un flop ai botteghini e riceve il Razzie Awards alla peggior coppia.

Tra i successivi film, ricordiamo: Stai con me (2001), diretto dalla madre, Le conseguenze dell’amore, diretto da Paolo Sorrentino e Una talpa al bioparco, regia di Fulvio Ottaviano, entrambi del 2004, e infine Nero bifamiliare (2007), opera prima di Federico Zampaglione.

Lavora anche in fiction TV: le miniserie Luisa Sanfelice (2004), per la regia dei fratelli Taviani, 48 ore (2005), regia di Eros Puglielli, e Amore proibito (2007), diretto da Anna Negri.

Nella sua carriera di doppiatore, si ricorda soprattutto il doppiaggio di Heath Ledger ne Il Cavaliere Oscuro (dove l’attore, al suo ultimo lavoro, interpreta Joker)

Lo ritroveremo prossimamente al cinema nell’opera prima di Claudio Giovannesi La casa sulle nuvole, prodotto da Andrea Costantini e distribuito dall’Istituto Luce. film racconta la storia di Michele e Lorenzo, due fratelli con un rapporto molto conflittuale, che per non perdere la loro casa partono per il Marocco per rintracciare il padre. Le difficoltà che incontrano durante questo viaggio alla ricerca del genitore, porterà i due ragazzi a ritrovarsi e a raggiungere una serenità sconosciuta prima.

Come consuetudine, o se vogliamo tradizione, il Cinemaniaco di quest’oggi dedica una pagina del proprio blog, principalmente a due dei tre attori appartenenti alla famiglia Phoenix, Joaquin e River, quest’ultimo scomparso alla tenera età di 23 anni.

Lo spirito e la volontà che ci spingono a parlare dei Phoenix, vanno ricercati in primis nella ricorrenza del quindicesimo anno dalla scomparsa di River che morì proprio la sera di Halloween, ma altresì per le ultime dichiarazioni del 27 ottobre scorso, in cui Joaquin Phoenix dichiara che lascerà il cinema per dedicarsi completamente alla carriera musicale. Ci sarà da credergli?

River Jude Phoenix, considerato dalla critica fra i più promettenti della sua generazione, tra la fine degli anni ottanta e l’inizio degli anni novanta. La carriera verrà tragicamente stroncata dalla morte prematura, avvenuta a soli ventitré anni in seguito a un’overdose di eroina e cocaina, sottoforma di speedball, nel Viper Room, locale alla moda di Johnny Depp, la notte del 31 ottobre 1993.

Il padre, John Bottom è un carpentiere di origine californiana. la madre, Arlyn Dunetz è una segretaria nata nel Bronx da genitori ebrei ortodossi. I due alla fine degli anni sessanta si uniscono alla setta dei “Bambini di Dio”, diventano missionari e iniziano a viaggiare attraverso il Sud America, per tornare negli Stati Uniti solo nel 1977. Di lì a poco cambieranno ufficialmente il cognome di famiglia in Phoenix, in riferimento all’araba fenice, l’animale mitologico che rinasce dalle proprie ceneri.

Il primogenito della coppia vede la luce a Metolius, Oregon, cinque miglia a sud di Madras. I genitori gli impongono il nome di River (fiume), ispirandosi al fiume della vita del romanzo Siddharta di Herman Hesse. Il secondo nome, Jude, deriva invece dalla canzone dei Beatles, Hey Jude. John e Arlyn avranno altri quattro figli: Rain, Joaquin, Summer e Liberty, quasi tutti poi entrati nel mondo del cinema sulla scia del fratello maggiore. Joaquin, che inizia la sua carriera con il nomignolo di “Leaf”; sarà il più affermato.

Il primo film interpretato da River Phoenix è Sopravvissuti, girato per la televisione nel 1985, nella parte del fratello di Rick (Zach Galligan). Subito dopo gira per il cinema Explorers di Joe Dante, interpretandovi Wolfgang Müller, piccolo scienziato che insieme a due compagni costruisce un’astronave per entrare in contatto con gli esseri alieni, che affascinano e ossessionano particolarmente l’amico Ben (un giovanissimo Ethan Hawke).

Nel 1986 River Phoenix rende due intense interpretazioni. Viene scelto da Peter Weir per Mosquito Coast in un ruolo, quello di Charlie, che sembra richiamare la sua stessa vicenda umana dei primi anni. Ma della carriera adolescenziale è particolarmente nota la prova resa in Stand by me – Ricordo di un’estate, del regista Rob Reiner su soggetto di Stephen King. È il ruolo di Chris Chambers, adolescente difficile, eppure con una grande maturità di fondo e potenzialità represse dalla sola cattiva fama.

Seguono due ulteriori ottime prove: Nikita – Spie senza volto di Richard Benjamin, e Vivere in fuga di Sidney Lumet, entrambi del 1988. Per la seconda pellicola River riceve la nomination all’Oscar come miglior attore non protagonista.

Successivamente la sua carriera alternerà film di modesto rilievo: Le ragazze di Jimmy di William Richert, (1988), Indiana Jones e l’ultima crociata di Steven Spielberg, (1989), Ti amerò…fino ad ammazzarti di Lawrence Kasdan, (1990).

La sua interpretazione più famosa resta quella resa in età già adulta, nel film Belli e dannati, del 1991, girato insieme all’amico Keanu Reeves. Il ruolo del prostituto drogato e narcolettico Mike Waters, gli vale la Coppa Volpi al Festival del cinema di Venezia.Il periodo successivo è però segnato dai problemi di droga che lo condurranno alla morte improvvisa nel giro di due anni.

Di quest’ultimo scampolo di carriera, River Phoenix lascia quattro pellicole: Dogfight di Nancy Savoca (1991), I signori della truffa di Phil Alden Robinson (1992), Quella cosa chiamata amore di Peter Bogdanovich (1993), il western Silent Tongue di Sam Shepard (1994, postumo), più l’incompiuto Dark blood di George Sluizer.

La tragica ed improvvisa scomparsa di River non gli permise di interpretare diversi ruoli per i quali era già stato scritturato: Malloy in Intervista col vampiro di Neil Jordan (1994), che sarà poi interpretato da Christian Slater ; Arthur Rimbaud in Poeti dall’inferno (1995) e Jim Carroll in Ritorno dal nulla (1995), entrambe le parti andranno poi a Leonardo Di Caprio e anche Il Corvo, ruolo che verrà proposto poi a Christian Slater, che rifiuta, lasciando il posto a Brandon Lee.

Rain Phoenix, sorella minore di River, è attualmente vocalist dei papercranes. Il marito Michael Tubbs ne è chitarrista, e anche le sorelle Summer e Liberty hanno lavorato con il gruppo. Altri collaboratori sono Dermot Mulroney, Libby Lavella e Flea.

Rain ha anche collaborato con i Red Hot Chili Peppers per la promozione dell’album One Hot Minute, e come corista per i R.E.M. ed Angela McCluskey.

Tra i film di maggior rilievo: A servizio ereditiera offresi (Maid to Order), regia di Amy Holden Jones (1987), Cowgirl – Il nuovo sesso (Even Cowgirls Get the Blues), regia di Gus Van Sant (1993), O come Otello, per la regia di Tim Blake Nelson (2001).

Joaquin Phoenix è il terzo di cinque figli, ed è l’unico che non porti un nome ispirato alla natura (i suoi fratelli si chiamano infatti River, Rain, Liberty e Summer). Sentendosi escluso, a quattro anni si ribellò e decise di farsi chiamare Leaf (Foglia).

Joaquin esordirà nel 1982 nella serie televisiva statunitense: Sette spose per sette fratelli, dove il fratello River è parte dei protagonisti principali. L’attore utilizzerà per i primi anni il nome di Leaf Phoenix.

Seguendo le orme dei fratelli maggiori, River e Rain, debutterà in una pellicola cinematografica nel 1986, in Space Camp, diretto da Harry Winer. Dopo un’ apparizione in Parenti amici e tanti guai (Parenthood) nel 1989, decise di abbandonare la scena, seguendo il padre, trasferitosi in Messico.

A seguito del decesso del fratello maggiore Joaquin deciderà di abbandonare ancora Hollywood, fino al 1995, quando parteciperà a: Da morire (To Die For), prova d’autore diretta da Gus Van Sant.

Le ottime recensioni della critica lo porteranno ad interpretare ruoli sempre più significativi, fino alla consacrazione mondiale nel 2000, con l’interpretazione di Commodo ne Il gladiatore, diretto da Ridley Scott, ruolo con cui riceve la prima candidatura all’Oscar.

Nel 2004 gira Hotel Rwanda, mentre nel 2005 interpreta un favoloso Johnny Cash in Quando l’amore brucia l’anima (Walk the Line), per il quale riesce a vincere un Golden Globe per la migliore interpretazione protagonista nella sezione comedy-musical, ma non riesce a vincere l’Oscar in quanto battuto da Philip Seymour Hoffman con Capote. Tra il 2007 e il 2008 sono usciti i suoi ultimi film, i drammatici Reservation Road e I padroni della notte.

Tra i numerosi premi vinti e i vari riconoscimenti, spiccano: Golden Globe per il miglior attore in un film commedia o musicale nel 2006; candidato al Premio Oscar nella categoria miglior attore non protagonista nel 2001; candidato al Premio Oscar nella categoria miglior attore protagonista nel 2006; Grammy Award al 49-esimo Annual Grammy Awards per la colonna sonora di Quando l’amore brucia l’anima.

« La ragione per cui faccio film è che odio l’ultimo lavoro fatto. Provo così a correggere i miei errori. »

Sarà così anche per la musica? Vi terremo ovviamente aggiornati.

Potremmo chiamarli I quattro dell’Ave Maria, tanto per citare un famoso film western di Giuseppe Colizzi; sono invece Alec, Daniel, Stephen e William Baldwin, meglio conosciuti come i fratelli Baldwin.

Alec Baldwin, all’anagrafe Alexander Rae Baldwin III, frequenta la prestigiosa Academy Studios e all’età di 28 anni debutta nel film televisivo La divisa strappata (1986) di Glenn Jordan. Il grande successo dell’opera lo porta ad esordire nel cinema con Forever Lulu (1987). Da qui inizia la scalata con Beetlejuice – Spiritello porcello (1988) di Tim Burton e Talk Radio (1988) di Oliver Stone. Nello stesso anno darà vita a due memorabili personaggi di “sciupafemmine”, in Una donna in carriera e Una vedova allegra ma non troppo, che determineranno la sua ascesa ad Hollywood.

Dopo l’interpretazione di uno psicopatico in Miami Blues (1989), infatti, Baldwin ottiene ruoli importanti in pellicole di primo piano, come Caccia a Ottobre Rosso (1990) con Sean Connery. Anche Woody Allen lo nota e lo impiega in Alice (1990), con Mia Farrow.

L’attore continua la sua carriera con Americani (1992), Malice – Il sospetto (1993), accanto a Nicole Kidman, e Getaway (1994), remake sfortunato del film di Sam Peckinpah. Dopo qualche altro flop, tipo L’uomo ombra datato 1994, la carriera di Baldwin subisce una battuta d’arresto, parzialmente compensata da ruoli interessanti da “cattivo”, come quello del killer de Il giurato (1996), del fotografo invidioso de L’urlo dell’odio (1997), e del misterioso colonnello in Codice Mercury (1998).

Nel 2002 è protagonista del film Hollywood, Vermont, e nell’anno 2003 ottiene una nomination ai Razzie Awards, nella categoria peggior attore non protagonista dell’anno, per la sua interpretazione ne Il gatto… e il cappello matto.

Negli ultimi anni Baldwin sembra essersi specializzato nel ruolo di arrogante capitano d’industria, ed è molto richiesto in film di spicco, quali The Aviator (2004) di Martin Scorsese, Elizabethtown (2005), con Orlando Bloom e Kirsten Dunst, Dick e Jane – Operazione furto (2005) con Jim Carrey, The Departed (2006) di Scorsese e The Good Shepherd – L’ombra del potere di e con Robert De Niro.

Daniel Baldwin è tra i fratelli quello dalla storia cinematografica meno illustre e conosciuta. Relegato all’inizio in ruoli di secondo piano in mediocri film tv e B-movie, partecipa nella seconda metà degli anni ’90, a film importanti come Mosche da bar (1996) di S. Buscami, e Scomodi omicidi (1995) di L. Tamahori.

Nel 1998 Daniel Baldwin è tra i protagonisti del film Vampires, per la regia di John Carpenter. Il 1999 è l’anno di Codice di sicurezza che lo vede tra i protagonisti insieme a Kendall Clement e Brian Dennehy. Nel 2004 è protagonista del film Paparazzi, di Paul Abascal.

Stephen Baldwin, debutta nel 1988 con un piccolo ruolo, nel film Homeboy con Mickey Rourke e Christopher Walken, in seguito ottiene una piccola parte in Vittime di guerra, mentre nel 1989 ha una parte di rilievo in Nato il quattro luglio.

Dal 1989 al 1992 interpreta William F. Cody nel telefilm I ragazzi della prateria e prende parte ai film Oltre il ponte, Amici per gioco, amici per sesso, Mrs. Parker e il circolo vizioso, ed I soliti sospetti; nel film di Singer interpreta Michael McManus, a tutt’oggi il suo ruolo più noto.

Nel 1996 decide, contro il parere di tutti, di partecipare al film demenziale Bio-Dome, il film è talmente un flop, che segna profondamente la sua carriera, infatti negli anni seguenti ha partecipato quasi esclusivamente a film tv e a film di serie b, destinati al mercato home video. Solo nel 2000 riacquista una certa notorietà con l’interpretazione di Barney ne I Flintstones in Viva Rock Vegas, venendo candidato ai Razzie Award al peggior attore non protagonista.

Dopo gli attentati dell’11 settembre 2001, Baldwin si è avvicinato alla Chiesa evangelica vivendo una rinascita religiosa e diventando un cristiano fervente; a differenza dei fratelli Alec e William, è un sostenitore di George W. Bush e nell’imminente corsa alla Casa Bianca, del repubblicano John McCain.

Recentemente, dalle pagine del New York Daily, ha affermato che, in caso di vittoria del candidato democratico, Barack Obama, si vedrà costretto ad emigrare.

“È un terrorista culturale”

ha detto l’attore, aggiungendo che andrà a pregare Gesù all’estero.

William Baldwin, considerato il più bello tra i suoi fratelli, ha infatti iniziato a lavorare come modello, apparendo in alcune pubblicità. Dopo aver frequentato corsi di teatro, debutta sul grande schermo nel 1989 in Nato il quattro luglio, in seguito recita in Linea mortale e Fuoco assassino.

È considerato un sex symbol, anche grazie alle prestazioni ad alto contenuto erotico, nei film Sliver con Sharon Stone e Facile preda con Cindy Crawford, anche se tali pellicole non riscuotono un enorme successo al botteghino.

Quella che sembrava una carriera in ascesa, in realtà si arena verso la fine degli anni ‘90, così Baldwin negli anni seguenti partecipa a molti film minori e film per la televisione. Torna alla ribalta nel 2005, lodato da pubblico e critica per la sua interpretazione nel film Il calamaro e la balena, mentre nel 2007 recita nel film Noise con Tim Robbins. Sempre nel 2007 fa parte del cast della nuova serie tv Dirty Sexy Money.

Rendiamo omaggio nella consueta rubrica dedicata alle famiglie cinematografiche, ai Tognazzi, eccellenti interpreti e protagonisti del cinema di casa nostra, distintamente in regia, produzione e interpretazione, a partire dal rimpianto Ugo, fino ad arrivare all’ultima della stirpe, Maria Sole.

Ugo Tognazzi, attore, regista, sceneggiatore teatrale, cinematografico e televisivo italiano. Insieme ad Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni e Nino Manfredi fu una delle colonne portanti della commedia all’italiana.

La passione per lo spettacolo gli fece abbandonare ben presto il lavoro da archivista a Cremona, città natia e lo trasferì, nel 1945 a Milano. Qui partecipò ad una serata per dilettanti tenuta al Teatro Puccini, a seguito della quale venne scritturato dalla compagnia teatrale di Wanda Osiris.

Nel 1950 esordì al cinema con un film diretto da Mario Mattòli, I cadetti di Guascogna, al fianco di Walter Chiari. L’anno seguente conobbe Raimondo Vianello con cui formò una coppia comica di grande successo che dal 1954 al 1960 lavorò per la neonata Rai Tv. A consacrare la coppia sul piccolo schermo fu il varietà “Un, due, tre”; la comicità più popolaresca e sanguigna di Ugo e quella più raffinata e “inglese” di Raimondo si compenetravano a vicenda con ottimi risultati comici.

“Un due tre” praticamente fu il primo esempio di satira televisiva, che non evitò di toccare Presidenti della Repubblica e del Consiglio. Per un’epoca nella quale la censura televisiva discendeva dalla stessa impostazione data alla rete unica della RAI; ciò si prestava inevitabilmente a qualche guaio censorio, che sarebbe evoluto verso la chiusura stessa del programma.

Questo avvenne il 25 giugno del 1959 quando il duo Tognazzi-Vianello, decise di mettere in burletta un incidente occorso la sera prima alla Scala e rigorosamente taciuto dai principali mezzi di stampa: il Capo dello Stato italiano, a causa del tentativo di un gesto galante con una signora, cadde a terra per la sottrazione della sedia affianco al presidente della Repubblica Francese De Gaulle. Il duo ripeté la scena in televisione: Vianello tolse la sedia a Tognazzi che cadde a terra e Vianello gli gridò: “Chi ti credi di essere?”. La sera stessa Ettore Bernabei cancellò la trasmissione dalla programmazione televisiva e il direttore della sede di Milano venne cacciato.

Continua la scalata cinematografica, alla corte di Alberto Bevilacqua ne La Califfa, 1971; Questa specie d’amore, 1972, e poi di Bernardo Bertolucci in La tragedia di un uomo ridicolo, 1981: splendido piccolo misconosciuto film schiacciato tra le megaproduzioni verso cui Bertolucci si andava ormai orientando in quegli anni, che però valse a Tognazzi la Palma d’Oro al Festival di Cannes come miglior attore protagonista.

Attaccatissimo alla sua terra e alla sua città, non era infrequente trovarlo allo stadio Zini a tifare per la Cremonese del suo amico e primo compagno di palcoscenico Domenico Luzzara, il presidente. Ugo ritagliava spesso per i suoi personaggi battute in dialetto cremonese. Leggendarie sono quelle, numerose, contenute nel film La marcia su Roma (1962) di Dino Risi. Nella pellicola che lo lanciò nel cinema satirico, Il federale (1961) di Luciano Salce, il suo personaggio è nato ad Azzanello, piccolo paese vicino a Cremona.

Proprio parallelamente a quelle esperienze di cinema d’autore, peraltro, il sibarita e trasgressivo Ugo, si impegnò nelle trilogie di Amici miei (1975, 1982, 1985) e Il vizietto (1978, 1980, 1985), che ebbero grande successo di pubblico.

Si è autodiretto al cinema più volte ne Il mantenuto, 1961; Il fischio al naso, 1966; Sissignore, 1968; Cattivi pensieri, 1976 e I viaggiatori della sera, 1979.
Negli anni Ottanta si dedicò soprattutto al teatro, recitando in Sei personaggi in cerca d’autore a Parigi (1986) e ne L’avaro (1988).

Morì improvvisamente il 27 ottobre 1990 a Roma per un’emorragia cerebrale.

Riccardo Tognazzi, conosciuto come Ricky, attore, regista e produttore cinematografico. Figlio dell’attore Ugo Tognazzi e dell’attrice Pat O’Hara. Ha tre fratelli, nati dai due matrimoni del padre, Thomas, Gianmarco e Maria Sole. È sposato con l’attrice e regista Simona Izzo.

Grazie al padre, fin da piccolo frequenta molti set cinematografici, successivamente studia in Inghilterra e poi al DAMS di Bologna, inizia a lavorare come aiuto regista per Luigi Comencini, Pupi Avati e Maurizio Ponzi, facendo di tanto in tanto qualche comparsata in veste di attore in alcuni film del padre.

Nel 1987 debutta come regista con Fernanda, episodio del film per la TV Piazza Navona progettato da Ettore Scola. Inizia così un’intensa attività che lo porta a realizzare film come Piccoli equivoci, Ultrà, La scorta, Vite strozzate, Canone inverso e, assieme a Simona Izzo, Io no.

Tra le sue interpretazioni ricordiamo: La famiglia (1986) di Ettore Scola, Una storia semplice (1991) di Emidio Greco, Maniaci sentimentali (1994) di Simona Izzo, Il cielo in una stanza (1999) e In questo mondo di ladri (2004) di Carlo Vanzina.

Gianmarco Tognazzi, attore, è inizialmente ostacolato dal suo cognome che induce non pochi a dubitare del suo effettivo talento.

Tuttavia, dopo alcune prove “in famiglia”, come nel Petomane (1983) di Pasquale Festa Campanile e Arrivederci e grazie (1988) di Giorgio Capitani, si comincia a delineare un “tipo” autonomo che si distacca dai personaggi prediletti dal fratello per avvicinarsi di più ai modelli del padre.

Faccia da duro con espressioni oscillanti fra il cinico, il nevrotico e l’ironico, è un efficace teppista di borgata in Crack (1991) di Giulio Base, un perdigiorno romano che si fa sedurre dagli skinhead di quartiere in Teste rasate (1993) di Claudio Fragasso, e un universitario fuoricorso che vorrebbe laurearsi per compiacere il suocero in I laureati (1995) di Leonardo Pieraccioni.

In coppia con Alessandro Gassman interpreta Uomini senza donne (1996) e Facciamo fiesta (1997), entrambi diretti da Angelo Longoni, e Teste di cocco (2000) di Ugo Fabrizio Giordani. Lavora anche con il fratello Ricky in Ultrà (1990) e nel televisivo I giudici – Vittime eccellenti (1999), con la sorella Maria Sole in Passato prossimo (2003) e, nel 2005, con Luca Mazzieri in Cielo e terra e con Michele Placido in Romanzo criminale.

Maria Sole Tognazzi, regista italiana, ultima dei quattro figli dell’attore Ugo, sua madre è l’attrice Franca Bettoja, madre anche di suo fratello Gianmarco.

Rispetto ai fratelli Gianmarco e Ricky, lei preferisce stare dietro le telecamere e dopo la morte del padre, inizia a lavorare come aiuto regista in teatro con lo spettacolo di Giulio Base, Crack. Seguiranno, sempre a firma del regista, Macchine in amore e La valigia di carne. Inizia la sua carriera cinematografica come assistente alla regia e aiuto alla regia nella ripresa cinematografica di Crack, anch’essi di Giulio Base.

Seguiranno: Quando eravamo repressi, per regia di Pino Quartullo, Estasi per regia di Peter Exacoustous e Carmela Cicinnati, La scorta per la regia di Ricky Tognazzi, Le donne non vogliono più, per la regia di Pino Quartullo , Anche i commercialisti hanno un’anima per la regia di Maurizio Ponzi , Poliziotti per la regia di Giulio Base, Vite strozzate per la regia di Ricky Tognazzi, S.O.S. per la regia di Thomas Robsahm.

Nella pubblicità affianca suo fratello Ricky alla regia per “Spot federazione calcio contro la droga”, “Spot privatizzazione Enel”, “Spot dizionario Treccani” e “Spot duetto Tim”.

Parallelamente comincia a girare alcuni video clip: Il Gigante di Paola Turci, L’Eccezione di Carmen Consoli, Mentre piove di Sergio Cammariere, America di Roberto Kunstler, f.d.m. di Rosita Celentano.

Nel 1997 firma la sua prima regia con il cortometraggio Non finisce qui. Seguiranno C’ero anch’io nel 1999 con cui vincerà il Globo d’oro come miglior cortometraggio e Sempre a tempo nel 2000. Nel 2003 arriva finalmente il suo primo lungometraggio Passato prossimo con Paola Cortellesi, Claudio Santamaria, Valentina Cervi. Oltre alla regia, Maria Sole firma anche la sceneggiatura insieme a Daniele Prato.

Passato Prossimo è un film in parte autobiografico, narra l’amicizia tra cinque ragazzi trentenni sospesi tra la certezza e familiarità del loro passato, e la paura del futuro e dei cambiamenti che esso comporta. La sceneggiatura mostra qualche ingenuità, ma nel complesso il film è ben raccontato e tecnicamente valido; ben fatti i piani sequenza, la regia è cauta ma si sente, la fotografia è efficace come il montaggio e la colonna sonora è molto interessante.

Passato prossimo ottiene il Globo d’oro 2003 come miglior opera prima, e Maria Sole vince il Nastro d’argento 2003 come Miglior regista esordiente. A giorni la ritroveremo in concorso alla terza edizione del Festival internazionale del Cinema di Roma con l’atteso film: L’uomo che ama.

Se il cinema come spettacolo supera i 110 anni, la dinastia De Laurentiis viaggia ormai verso i 70, a partire dalle prime apparizioni sullo schermo dell’allievo-attore del Centro Sperimentale di Cinematografia, Agostino, classe 1919, divenuto in seguito il producer Dino, che gli americani hanno battezzato con il nome di “the Legend“.

Di poco posteriore, nell’immediato secondo dopoguerra, la discesa in campo del fratello maggiore Luigi (1917-1992), validissima spalla da subito e poi realizzatore in proprio; e l’organico familiare è completato ben presto dal fratello minore, Alfredo (1924-1981), apprezzato organizzatore generale.

Finché spunta Aurelio, figlio di Luigi; e mentre a Hollywood opera da tempo come attiva produttrice Raffaella, figlia di Dino, a Roma è già al lavoro un Luigi nipote, figlio di Aurelio, che nei voti del clan continuerà la tradizione.

La filosofia che ha portato al successo Dino De Laurentiis, può essere ben compresa grazie alla sua dichiarazione alla Mostra del Cinema di Venezia 2003, dove ha ricevuto il Leone d’Oro alla carriera:

“Il problema dei registi italiani è che vogliono fare i film con un occhio alla critica. Noi pero siamo show-man e dobbiamo fare film solo per il pubblico. Ora voglio dimostrare al cinema italiano che ci sono grandi storie da raccontare. Ho voglia di tornare in Italia a lavorare per fare dei film che riescano ad uscire dall’Italia“.

Agostino De Laurentiis, noto come Dino, produttore cinematografico, crebbe per le strade di Torre Annunziata vendendo gli spaghetti prodotti dalla piccola azienda di famiglia.

Il suo ingresso nel mondo del cinema avviene, insieme con la decisione di intraprendere la carriera di attore, quando si reca a Roma al “Centro Sperimentale di Cinematografia“, appena inaugurato, nel biennio 1937-1938. Fra i suoi esordi come attore vi è quello nel film Troppo tardi t’ho conosciuta del regista Emanuele Caracciolo.

Nel riflettere a lungo sul futuro da intraprendere, Dino non ebbe dubbi: decide di spostarsi dietro la macchina da presa, intraprendendo la fortunata carriera di produttore. Inizia da subito a produrre film. Il primo risale al 1940, L’ultimo combattimento di Piero Ballerini, al quale seguiranno, durante tutto il corso della sua lunga e prestigiosa carriera, circa 150 pellicole.

Il primo vero successo arriva con L’amore canta, una divertente commedia degli equivoci, remake di un film svedese.

Entra alla “Lux film” diventando produttore esecutivo cinematografico, giocando un ruolo di prim’ordine per la rinascita del cinema italiano nel dopoguerra e collaborando con lo scrittore-giornalista, cineproduttore e studioso d’arte, Valentino Brosio, che concorse, dalla seconda metà degli anni trenta alla fine degli anni cinquanta, all’affermazione della “Lux Film”, con il trasferimento a Roma di questa società fondata a Torino da Riccardo Gualino.

Nel 1948 si dedica alla ristrutturazione degli stabilimenti di produzione “Teatri della Farnesina”, ex-Safir, dando vita alla “Ponti-De Laurentiis” insieme all’amico Carlo Ponti, per la prima volta con studi propri a disposizione.

Uno dei primi successi prodotti dalla nuova etichetta è Totò a colori (1952), il primo film a colori mai realizzato in Italia, per la regia di Steno, al quale fanno seguito numerosi altri importanti opere, come Europa ‘51 (1952) di Roberto Rossellini, Anni facili (1953) di Luigi Zampa, fino alla consacrazione definitiva con La strada (1954) e Le notti di Cabiria (1957) di Federico Fellini, due film che vinceranno entrambi il premio Oscar per il miglior film straniero, i primi per l’Italia.

Tra i tanti film prodotti realizzati con le due società, vale altresì la pena di ricordare: Riso Amaro (1948) di Giuseppe De Santis, Napoli milionaria (1950) di Eduardo De Filippo, Dov’è la libertà…? (1954) di Roberto Rossellini, Miseria e nobiltà (1954) di Mario Mattoli e La grande guerra (1959) di Mario Monicelli, con Alberto Sordi e Vittorio Gassman, Leone d’Oro alla Mostra del Cinema di Venezia.

Costruisce dei nuovi teatri di posa, sempre nei dintorni di Roma, sulla via Pontina km.23,270, chiamati “Dinocittà”, dove sono stati anche girati numerosi film con star hollywoodiane, come Guerra e pace (1956) di King Vidor, con Henry Fonda e Audrey Hepburn, Barabba (1961) di Richard Fleischer, con Anthony Quinn, La Bibbia (1966) di John Huston, con Gorge Scott, Ava Gardner, John Huston stesso e Peter O’Toole, Lo sbarco di Anzio (1968) di Duilio Coletti, con Robert Mitchum e Waterloo (1970) di Sergej Bondarcuk, con Rod Steiger e Orson Welles.

Nel 1972 la legge italiana sul cinema volta pagina: i sussidi vengono riservati solo ai film con il 100% di produzione italiana (fino ad allora bastava il 50%), e De Laurentiis decide di trasferirsi negli USA, dove fonderà la “De Laurentiis Entertainment Group”.

In America continua a produrre grandi successi: Serpico (1973) di Sidney Lumet, I tre giorni del condor (1975) di Sidney Pollack, Il giustiziere delle notte (1974) di Michael Winner, L’anno del dragone (1985) di Michael Cimino, ed anche alcuni remake come King Kong (1976) di John Guillermin e Il Bounty (1984) di Roger Donaldson, con Mel Gibson, ma anche alcuni flop al botteghino, come Dune (1984) di David Lynch o Tai-Pan (1986) di Daryl Duke.

Nel 1990 realizza Ore disperate (1992), ancora di Michael Cimino, un’operazione molto coraggiosa e pericolosa, dato che il regista americano era considerato il responsabile del fallimento della “United Artists”, e conseguentemente “bandito” da Hollywood, e Body of Evidence – Corpo del reato (1992) di Uli Edel, con Madonna.

L’ultimo film prodotto è Hannibal (2001) di Ridley Scott, prequel de Il silenzio degli innocenti (1991) di Jonathan Demme.

Aurelio De Laurentiis, nipote di Dino, classe 1949, padre di tre figli: Luigi, Valentina ed Edoardo.

Fonda nel 1975 con il padre Luigi la “Filmauro” nei cui listini, tra produzione e distribuzione, figurano quasi 400 film, tra i quali: Un borghese piccolo piccolo di Mario Monicelli, Maccheroni di Ettore Scola, Il testimone dello sposo di Pupi Avati, Il mostro di Roberto Benigni, Matrimoni di Cristina Comencini ed altri film di successo.

Aurelio è l’ideatore di cicli di film che si sono rivelati autentici “blockbuster”, classificandosi tra i primi cinque maggiori incassi di ogni anno. Tra questi, il ciclo di Amici miei, e quello della cosiddetta “commedia di Natale” o usando un termine conosciuto ai più, “cinepanettoni”, ai vertici del box office da circa 30 anni; da Natale sul Nilo a Christmas in love.

Il 26 agosto 2004 Aurelio De Laurentiis fonda la società Napoli Soccer, con la quale il 10 settembre acquista il Napoli, la storica squadra di calcio.

Luigi De Laurentiis, figlio di Aurelio e Jacqueline De Laurentiis, conseguita la maturità classica, si trasferisce negli Stati Uniti, a Los Angeles, dove studia produzione cinematografica alla “University of Southern California “, presso la quale si laurea nel maggio 2003. Successivamente frequenta presso la stessa USC il Master di finanza e marketing cinematografico.

Rientrato in Italia, comincia a lavorare per “Filmauro”. Firma come Line Producer nel dicembre 2004 Christmas in love, campione d’incasso 2004, Manuale d’amore, (David di Donatello 2005 a Margherita Buy e Carlo Verdone), Natale a Miami, in assoluto l’incasso più alto del 2005.

Nella primavera 2006, firma come produttore esecutivo Il mio miglior nemico e con Natale a New York, firma il suo primo film come produttore insieme al padre, ricostituendo la coppia Luigi e Aurelio De Laurentiis.

In attesa di distribuire il prossimo “cinepanettone” natalizio, la dinastia De Laurentiis continua il suo percorso attraverso tante storie da tramutare in pellicola.

Spesso e volentieri il Cinemaniaco si occupa della storia, delle opere e della vita delle grandi famiglie legate da un unico comune denominatore: il cinema. Quest’oggi non potevamo esimerci dal rendere omaggio ad una grande famiglia italiana, che ha fatto dello spettacolo, della musica e del cinema per l’appunto, la propria esistenza, la propria missione. Uno style tutto partenopeo, che porta i nomi di Vittorio, Manuel e Christian De Sica.

Vittorio De Sica, figlio di un impiegato di banca, Umberto, col quale aveva un rapporto molto bello e forte, e al quale dedicherà il suo film, Umberto D., già durante gli studi di ragioneria , ottiene un piccolo ruolo in un film muto diretto da Giancarlo Saccon, Il processo Clemenceau del 1917.

Nel 1923 ottiene una scrittura teatrale da generico, nella compagnia diretta dalla prestigiosa attrice Tatiana Pavlova, con la quale rimane per due anni. Nella primavera del 1925 è secondo attore brillante nella compagnia di Italia Almirante, celeberrima diva del muto.

Nell’immediato dopoguerra, quando cominciò ad essere celebre anche come regista cinematografico, insieme a Paolo Stoppa e a Vivi Gioi, portarono in scena anche drammi di notevole valore come Catene di Langdon Martin.

Sul grande schermo diventò un divo tra i più richiesti, alla pari con Amedeo Nazzari, Gino Cervi e Fosco Giachetti, con molte commedie garbate e gradevoli, interpretate con Lya Franca e Assia Noris e tutte dirette da Mario Camerini

De Sica compì il suo esordio dietro la macchina da presa nel 1939, sotto l’egida di un potente produttore dell’epoca, Giuseppe Amato, che lo fece debuttare nella commedia Rose scarlatte. Dopo un film a sfondo religioso realizzato nella Città del Vaticano durante l’occupazione della capitale, La porta del cielo (1944), il regista firma, uno dietro l’altro, quattro grandi capolavori del cinema mondiale: Sciuscià (1946), Ladri di biciclette (1948), ricavato dal romanzo omonimo di Luigi Bartolini, Miracolo a Milano (1950), tratto dal romanzo Totò il buono di Zavattini e Umberto D. (1952), pietre miliari del neorealismo cinematografico italiano. I primi due ottengono l’Oscar come miglior film straniero e il Nastro d’Argento per la migliore regia.

Dopo questa irripetibile quadrilogia, De Sica firmò altre opere molto importanti: L’oro di Napoli (1954) tratto dai racconti di Giuseppe Marotta, Il tetto (1955), considerato il suo passo d’addio al neorealismo, quindi l’acclamatissimo La ciociara, del 1960, tratto dall’omonimo romanzo di Alberto Moravia, che vanta una spettacolare interpretazione di Sophia Loren, la quale vinse tutti i premi possibili: Nastro d’Argento, David di Donatello, Palma d’Oro al Festival di Cannes e il Premio Oscar per la miglior attrice.

Con la Loren lavorerà anche in seguito: Boccaccio ‘70 (1961), Ieri, oggi e domani (1963), con la quale vinse il suo terzo Oscar e Matrimonio all’italiana (1964). Nel 1970 ottenne un quarto Premio Oscar con la trasposizione filmica del romanzo di Giorgio Bassani Il giardino dei Finzi Contini; quest’opera ottiene anche l’Orso d’Oro al Festival di Berlino del 1971. L’ultimo film da lui diretto e interpretato sempre dalla Loren è la riduzione di una novella di Luigi Pirandello, Il viaggio (1974).

Artista instancabile, oltre alla prestigiosa attività come regista, continuò anche ad essere un graditissimo attore: apparve in un centinaio di pellicole, anche in brevi ruoli di contorno, vincendo un Nastro d’Argento nel 1948 ed ottenendo numerosi premi negli anni seguenti a diversi festival. Si spense a 73 anni in seguito ad un intervento chirurgico, il 13 novembre 1974.

Manuel De Sica, primogenito di Vittorio, nato nel 1949 è oggi presidente dell’Associazione Amici di Vittorio De Sica per il restauro delle opere paterne, curatore di pubblicazioni su ciascun film restaurato, e fondatore dell’Associazione “Musica Retrovata” per il recupero di opere musicali inedite o sconosciute.

Nei primi anni scolastici, oltre agli studi da liceo classico, frequenta i corsi di teoria al Conservatorio di Santa Cecilia. Forma con alcuni suoi amici il gruppo musicale “The Ancients” con il quale fa alcune apparizioni televisive e incide due 45 giri.

Nel 1968 firma la sua prima colonna sonora per il film Amanti, diretto da suo padre Vittorio. Fanno seguito colonne sonore per vari lavori televisivi e per film quali Io e Dio, esordio cinematografico del regista Pasquale Squitieri, Cose di Cosa Nostra di Steno, Io non vedo, tu non parli, lui non sente di Mario Camerini e continua la collaborazione con il padre, per il quale firma le colonne sonore dei successivi Il giardino dei Finzi Contini, con il quale guadagna una nomination all’Oscar, Lo chiameremo Andrea, Una breve vacanza e Il viaggio.

L’attività di compositore di colonne sonore continua con pellicole dirette da Dino e Marco Risi, da Carlo Verdone, da Enrico Oldoini, da Carlo Vanzina e da moltissimi altri, tra cui suo fratello Christian. Nel 1989 Manuel De Sica è stato premiato con il Globo d’Oro della Stampa Estera per il lungometraggio Ladri di saponette di Maurizio Nichetti.

Nel 1992 ha vinto il Nastro d’Argento per Al lupo, al lupo di Carlo Verdone, seguito nel 1996 dal David di Donatello per la colonna sonora di Celluloide di Carlo Lizzani.

Le sua musica è stata eseguita da artisti quali Salvatore Accardo, Enrico Dindo, Danilo Rossi, l’Ensemble Wien Berlin; le sue canzoni sono state interpretate da artisti quali Ella Fitzgerald, Tony Bennett, Dee Dee Bridgewater.

Christian De Sica, secondogenito della omonima famiglia, inizialmente attratto dalla musica, nel 1973 partecipa al Festival di Sanremo, ma i risultati non proprio soddisfacenti lo convincono a seguire le orme paterne e a dedicarsi al cinema.

Grazie anche all’aiuto del padre, riesce a muovere i primi passi nel mondo del cinema con dei maestri quali Roberto Rossellini in Blaise Pascal, (1971), lo stesso Vittorio De Sica in Una breve vacanza (1973), Pupi Avati in Bordella, (1976) e Salvatore Samperi in Liquirizia del 1979 e Casta e pura del 1981. Nel 1982, diretto da Carlo Verdone lo vediamo protagonista in Borotalco e, nel 1988 in Compagni di scuola.

Dopo Night club, ultimo film di Sergio Corbucci, Christian De Sica diventa uno dei più famosi interpreti del “cinema-panettone” ovvero di quei film comici che escono nelle sale cinematografiche durante il periodo di Natale, formando una duratura coppia con l’attore Massimo Boldi, dal quale si separa nel 2005. Tra i lavori di coppia si ricordano la serie di Vacanze di Natale, Paparazzi (1998), Tifosi (1999) e Christmas in Love (2004).

Vincitore di due David di Donatello, uno per Giovannino nel 1976 ed uno speciale insieme a Boldi nel 2000, dal 1990 Christian De Sica è anche regista; suoi i film Faccione, Il conte Max, omaggio al cinema del padre e di Mario Camerini, Ricky e Barabba (1992), Uomini uomini uomini (1995), Tre (1996), Simpatici e antipatici (1998) e The Clan (2005).

Grande ammiratore di Frank Sinatra e di Marlon Brando, la critica ha spesso accostato la sua recitazione a quella di Alberto Sordi, dalla quale De Sica ha attinto a piene mani in moltissime delle sue espressioni. Lo vedremo il 19 dicembre nelle sale cinematografiche italiane con Natale a Rio de Janeiro, per la regia di Neri Parenti.

Fratelli di nascita, colleghi per professione. Sono Enrico e Carlo Vanzina, soprannominati i “fratelli della commedia italiana”, figli di Stefano, noto al grande pubblico come Steno, regista impegnato in prima linea negli anni d’oro della commedia all’italiana. Enrico e Carlo possiedono grazie al padre, una involontaria memoria storica che gli permette di ricordare il grande cinema in maniera privilegiata. Per i due, riportare a galla i ricordi del passato, non è solo un piacere ma addirittura un obbligo.

Andiamo a conoscere da vicino chi sono realmente i fratelli Vanzina, partendo dal primogenito di Steno, Enrico, nato a Roma il 26 marzo 1949, ottiene il “Baccalauréat” Francese al Liceo Chateaubriand di Roma nel 1966. Si laurea in Scienze politiche a Roma nel 1970, e nel 1971 ottiene una laurea in Sociologia alla Cattolica di Roma.

Lavora per alcuni anni come aiuto regista del padre Steno. Nel 1976 inizia la carriera di sceneggiatore. Ha scritto 80 film con molti dei più famosi registi italiani: Dino Risi, Marco Risi, Alberto Lattuada, Steno, Mario Monicelli, Nanni Loy e tanti altri.

Insieme al fratello Carlo ha realizzato alcuni dei più grandi successi degli anni ‘80 e ‘90, lavorando con quasi tutti i più grandi attori italiani: da Alberto Sordi a Ugo Tognazzi, da Vittorio Gasmann a Virna Lisi e Faye Danaway. Dal 1983 è anche produttore, oltre che dei suoi film, di molti programmi televisivi; nel 1987 ha vinto il premio della critica come Miglior Produttore Televisivo dell’anno con la serie Amori. Nel 1998 ha scritto e prodotto Anni ‘50. Nel ‘99 la nuova serie Anni ‘60. Il suo capolavoro, a detta di molti, rimane Febbre da cavallo (1976).

“Individualista per vocazione e longanesiano per scelta”, come si definisce lui stesso a cinquant’anni passati, sempre conservando quel taglio di capelli un po’ anni ‘70, si concede volentieri il piacere di chiacchierare di calcio in tv e in particolare della sua Roma, e di scrivere sui giornali articoli di costume (per 5 anni al “Corriere della Sera”, e dal 1997 al “Il Messaggero”), in cui racconta ciò che lo colpisce delle serate romane, passate negli attici pariolini come a Trastevere, nei circoli privati del lungotevere romano come allo Stadio Olimpico a vedere la sua Roma .

CARLO VANZINA, 57 anni, è cresciuto nel cuore stesso del cinema italiano, arrivandoci da molto piccolo. Il suo esordio risale infatti addiritttura al 1952, in Totò e le donne di Steno, suo padre, in cui interpretava il piccolo Filippo (Totò bambino). Solo che Carlo non diventerà mai un attore; dopo aver terminato gli studi alla scuola francese di Roma, il liceo Chateaubriand, inizia a lavorare all’ombra del padre e a fare apprendistato con Mario Monicelli, che è stato un po’ la sua guida, dal 1968 al 1975, e anche con Alberto Sordi.

Nel 1975 il produttore Carlo Ponti gli offre la possibilità di firmare la sua prima regia, chiamandolo a realizzare Colpita da improvviso benessere, con Franco Citti e Giovanna Ralli, ma alla fine Carlo ne scrive solo la sceneggiatura e il film viene diretto da Franco Giraldi. Il problema riguardava il cast. Gli attori infatti, i grandi nomi cui era abituato a lavorare insieme a Monicelli, respingevano gentilmente ogni sua offerta: nessuno si fidava di rischiare, troppo giovane dicevano. Dirige allora il suo primo film nel 1976, Luna di miele in tre, una produzione a basso costo con Renato Pozzetto protagonista.

L’esperienza gli fa capire che deve rivolgersi ad attori della sua stessa generazione, ed è così che arrivano nel 1979 Il figlio delle stelle con Alan Sorrenti, sull’onda del successo della canzone, i Gatti di Vicolo Miracoli con Arrivano i Gatti, Una vacanza bestiale e I fichissimi, che lancia Diego Abatantuono e Jerry Calà, firmando da allora oltre 40 film, tutti grandi successi di pubblico, un po’ meno apprezzati dalla critica.

Di italiano, Carlo Vanzina ha il suo modo di essere e di fare, molto lucido e adattabile alle situazioni, cui si aggiunge una grande capacità tecnica e di precisione, che gli ha consentito negli anni di girare rapidamente ma bene, ottenendo ottimi prodotti (per la felicità degli spettatori) e riducendo i costi (per la felicità dei produttori).

Questa è a grandi linee la storia dei fratelli Vanzina, fatta di passione per il cinema e di grandi successi riscossi dai loro film che, spesso e volentieri superano, in proporzione agli incassi, quello dei cosiddetti film “impegnati”, provocando disappunti da parte della critica. Ma i fratelli Vanzina non si lasciano condizionare più di tanto: le cifre parlano chiaro e il risultato finale è quello che conta. L’obiettivo di Carlo ed Enrico è quello di diffondere il buonumore nell’animo degli spettatori, osservando e raccontando anche la realtà.