Storia politica e misfatti rigorosamente reali del deputato americano Charlie Wilson (Tom Hanks), la sua passione per donne, alcol e droga, le sue connessioni con il potentato della destra americana, l’approcio creativo alla politica estera, e la sua nonchalance nel maneggiare fondi governativi e intrallazzare amabilmente tra CIA e Congresso.

Sono gli anni’ 80, la Russia imperversa in Afghanistan. i mujaheddin cadono a centinaia sotto il fuoco di fila dei potenti elicotteri da guerra sovietici, l’America sta nel mezzo, è presente, ma senza una vera politica d’intervento o finanziamenti  che siano decisivi nel conflitto, ci penserà Wilson a dare una scossa allo scenario afgano grazie alle sue amicizie nell’Agenzia, e al suo potere nel gestire fondi governativi, fornendo finanziamenti ed armamenti che aiuteranno i mujaheddin nella resistenza contro i sovietici.

Bisogna dire che il regista Mike Nichols (Il laureato,Wolf-La belva è fuori) nell’adattare il libro di George Crile Il nemico del mio nemico, fatica non poco a trovare una dimensione in cui raccontare una storia vera che sembra una parodia, e che sfoggia personaggi tanto surreali che avrebbero potuto con un casting poco oculato, estremizzare la messa in scena già farsesca di per sè.

Cosi Nichols sceglie degli attori dalla vis comica sfumata e dall’ironia sorniona come appunto Tom Hanks e Phillip Seymour Hoffman, che si danno un gran da fare per non eccedere nella caratterizzazione, cosa non semplice con personaggi al limite della macchietta, e mentre Tom Hanks eccede risultando forse troppo contenuto, adattandosi comunque al tono della pellicola, Hoffman dal canto suo osa un pò di più, dimostrando di viaggiare su un altro livello.

Alla coppia si aggiunge una splendida e ritrovata Julia Roberts che sfoggia  un’inedita acconciatura bionda ed un ruolo da donna potente e volitiva che l’attrice padroneggia con gran classe, classe che ritroveremo in formato deluxe nel successivo Duplicity di Tony Gilroy in coppia con Clive Owen.

La politica sul grande schermo non è argomento semplice con cui cimentarsi, alla fine si finisce sempre per mediare, il problema si accentua quando il tema viene affrontato sul limaccioso terreno della satira, Nichols ne esce bene, anche se non del tutto indenne, il film infatti ha tutta l’aria del gradevole compitino ben fatto, non cattivo quanto avrebbe potuto, comunque il cast di gran classe  da una bella mano, e la messisncena sempre in bilico tra farsesco e surreale alla fine paga, e permette al regista di portare a casa un dignitoso risultato.

Il detective della omicidi di Boston Thomas Craven (Mel Gibson) è un padre single che ama profondamante la figlia Emma (Bojana Novakovic) e come molti padri ne ha idealizzato la figura di bambina, ma Emma è già una donna, laureata, con un ragazzo ed un buon lavoro, e quando la ritrova per una visita in città sente in cuor suo di aver perso un pò di quella ragazzina e di non conoscere affatto la donna che ha di fronte, ma non avrà il tempo necessario ne di pentirsene, ne tantomeno di rimediare, perchè Emma verrà brutalmente asassinata da due killer a volto coperto proprio sulla porta di casa, davanti ai suoi occhi.

Le indagini sull’omicidio naturalmente porterannno le autorità a concentrarsi su eventuali nemici del detective, ma tutte le piste porteranno ad un vicolo cieco, così lo stesso Craven, ancora palesemente traumatizzato dall’evento, deciderà di indagare nel quotidiano della figlia che non conosceva, scoprendo così una serie di strane coincidenze e decessi, che lo condurranno dritto dritto alla multinazionale Northmoor dove la figlia lavorava come ricercatrice, società dotata di un notevole muro di gomma che non permetterà a Craven ne di approfondire quale ruolo ricoprisse la figlia, ne di cosa si occupi esattamente la multinazionale.

Craven riuscirà lentamente a penetrare quel muro, utilizzando tutta la sua esperienza di poliziotto, e una buona dose di violenta determinazione per carpire indizi, estorcere confessioni, arrivando a scoprire un’intricata rete di protezione e corruzione che tocca i vertici della politica e della sicurezza nazionale, scatenando un vero putiferio e una serie di ritorsioni, ma Craven non ha nulla da perdere, e userà ogni mezzo necessario per scoprire mandanti ed esecutori dell’omicidio di sua figlia.

Dai trailer visionati prima della nostra recensione si poteva evincere che Edge of darkness pescasse a piene mani dal genere revenge-movie lanciato a suo tempo da Charles Bronson e il suo vendicativo e iperviolento Giustiziere della notte, figlia uccisa, padre furioso, vendetta tremenda vendetta! insomma tutto il repertorio del caso.

Invece la sorpresa è che il film miscela thriller politico, action, poliziesco in un sapiente mix che ha origine da una serie tv inglese, e da uno script ha cui ha collaborato lo sceneggiatore premio Oscar per The Departed William Monahan, a cui si aggiunge un efficace, tormentato e dolente Mel Gibson immune da ogni artificio chirurgico tanto in voga in quel di Hollywood, che invece di età e rughe fa in questo caso virtù.

L’attore australiano ha il concetto di famiglia ben impresso nel DNA, sesto di undici figli e padre di sette, riversa con grande efficacia la sofferenza, anche se virtuale, di una perdita devastante come quella patita dal protagonista, cosa c’è di più innaturale del seppelire i propri figli?, ma sempre ben lungi dal mostrarsi allo spettatore come una sorta di vendicatore o deviato supereroe, mai durante la visione vediamo sullo schermo null’altro che un padre furioso e devastato.

Il resto lo fa il veterano Martin Campbell, un regista che oltre a sfoggiare  un’intrigante impronta visiva, ama visitare il cinema di genere, e lo dimostrano un paio di Bond, l’avventuroso La maschera di Zorro, il legal Legge criminale, e l’action fantascientifico Fuga da Absolom, tutti esempi della versatilità di questo cineasta, che decide in questo caso di adattare una serie tv di cui egli stesso a suo tempo, parliamo del 1985, diresse alcuni episodi.

Campbell non si lascia tentare dalla violenza tout-cout da angelo vendicatore, ne tantomeno dalla spettacolarizzazione formato action di molti thriller di ultima generazione, gioca la carta vincente del thriller, svela le carte lentamente, inserisce oculatamente perle di violenza estrema che in platea arrivano come un inesorabile diretto ben assestato, che però non mira a stendere lo spettatore lasciandogli quel tanto di lucidità per non perdere di vista la narrazione,e alla fine gli si perdona anche un finale che indugia nella retorica da espiazione, un piccolo neo che dopo cotanta messinscena accettiamo più che volentieri.

Torna Frank Martin (Jason Statham) ex-militare ed esperto pilota di vetture che decide di rifiutare un trasporto speciale da un cliente che reputa non affidabile, così consiglia al mancato datore di lavoro di rivolgersi altrove.

Il professionista che prenderà il posto di Martin si rivelerà non all’altezza del compito, ferito e braccato dalle autorità si rifugerà proprio in casa del collega dove chiederà il suo aiuto, ma l’uomo morirà e Martin scoprirà che il pacco da consegnare è Valentina (Natalya Rudakova), una giovane e misteriosa ragazza.

Il criminale che ha commissionato il lavoro ritiene Martin responsabile della fallita consegna, così costringe quest’ultimo a portare a destinazione Valentina, Accettato suo malgrado il lavoro, Martin sarà costretto ad indossare un braccialetto esplosivo, così a bordo della sua inseparabile Audi riceverà le coordinate della destinazione finale, e avrà il tempo del tragitto per scoprire chi è la misteriosa Valentina, liberarsi del braccialetto, e trovare una soluzione per uscire dal mare di guai in cui si è cacciato.

Luc Besson prosegue la sua prolifica fase produttiva con una delle due serie che il regista francese è riuscito ad imporre sul mercato americano, la prima è Taxxi, la seconda è appunto la serie Transporter, che dopo un ottimo primo capitolo diretto a quattro mani dal Louis Terrier di Danny the Dog e dall’attore e regista cinese Corey Yuen (DOA-Dead or Alive), ed una fracassona trasferta hollywoodiana per un sequel, Transporter Extreme, diretto in solitaria dal solo Terrier, ecco proporci un discreto terzo capitolo ad opera del francese Olivier Megaton.

Il regista Megaton, proveniente come molti talenti della scuderia Besson dal mondo della pubblicità e dei videoclip musicali, riporta il film in un contesto europeo e non solo come location, ma anche come intenti, si abbandonano gli eccessi e il fumettoso formato Crank del secondo capitolo americano, e si punta su uno script decisamente più consono, con intriganti coreografie marziali e l’immancabile sequela di inseguimenti in stile Fast & Furious.

Transporter 3 si rivela una piacevole sorpresa, non privo di qualche sbavatura,  ma deciamente superiore al secondo capitolo. Statham è sempre efficace e si trova perfettamente a suo agio in ruolo creato ad hoc, anche se in questo caso l’attore non può sfoggiare più di tanto l’ironia che ne contraddistingue la recitazione, e che lo ha più volte accomunato al collega Bruce Willis.

San Valentino in quel di Los Angeles, una serie di personaggi tutti rigorosamente  innamorati o in cerca dell’anima gemella affrontano la giornata dedicata all’amore, c’è chi approfitta per dichiararsi con una bella proposta di matrimonio e dall’altra parte scatta l’ansia,e chi invece ha finalmente trovato l’amore che cercava da una vita, non sapendo che in realtà la delusione è proprio dietro l’angolo.

Ci sono poi i fedigrafi, i fidanzatini pronti per la loro prima volta, gli eterni sposini ultrassantenni che si trovano di fronte a segreti inconfessabili, e uno sportivo gay che coglie l’occasione per fare coming out, ma ci sono anche quelli a cui San Valentino mette solo tristezza ricordandogli la mancanza di un amore mai veramente cercato un pò per paura, un pò per pigrizia.

Appuntamento con l’amore negli States è andato a gonfie vele, certo il traino dell’uscita nella giornata degli innamorati è stata di una furbizia quasi imbarazzante, il regista Garry Marshall dirige con la solita efficacia questo puzzle romantico di anime in pena che si cercano, si pensano e qualche volta riescono anche a trovarsi.

Purtroppo l’esperienza del regista, suoi i deliziosi Pretty Woman e Quando meno te l’aspetti, non basta a dare verve a una partitura d’attori alquanto affollata, sono decisamente troppe le star e quasi star coinvolte nell’operazione, tutti intenti a ritagliarsi un pò di spazio cercando di caratterizzare personaggi compressi all’inverosimile in un marasma di story-line che si intrecciano, sfiorano ed accavallano senza lasciare allo spettatore nessuna possibilità di coinvolgersi troppo, e agli attori di costruire un minimo di empatia.

Parliamoci chiaro il film non è brutto, solo talmente dispersivo da risultare anonimo, e forse è ancora peggio, un vero rompicapo in rosa che spreca letteralmente un esercito di talentuosi co-protagonisti in una serie di frammentati episodi che finiscono per diventare interscambiabili, e anche se confezione e script sono di ottimo livello, il bisogno di assiepare sullo schermo un esercito di volti noti ha fatto passare in secondo piano la storia, che resta solo funzionale e nulla più.

In cielo si sta organizzando l’ultima incursione divina sulla terra, Dio deluso e sconcertato dalla follia e dalla violenza che scaturisce dalla anime perdute dei suoi figli, organizza una legione di angeli affinchè una volta sulla terra portino, come a suo tempo fece il diluvio universale, una purificatrice distruzione totale che mondi i peccati, ponendo fine alla razza umana.

A capeggiare la schiera di angeli legionari l’arcangelo Gabriele (Kevin Durand) che accetta di buon grado di farsi messaggero e portatore dell’ira divina sulla terra, onde spazzare via quell’essere imperfetto che ha usurpato il posto degli angeli nel cuore del Padre, così che gli angeli tornino ad essere i prediletti come è destino che sia.

Un angelo ribelle, il tormentato Michele (Paul Bettany) però non è d’accordo, crede nell’essere umano forse ancor di più del creatore stesso, e arrivato sulla terra, abbandonate ali ed armatosi fino ai denti, decide di difendere l’ultima anima che potrà con la sua nascita salvare la razza umana, il figlio mai voluto che Charlie (Adrianne Palicki) cameriera in una stazione di servizio nel bel mezzo del nulla, porta in grembo.

Cosi sarà proprio quel luogo nel mezzo del deserto, campo di battaglia e ultimo baluardo di difesa dell’umanità, e mentre l’Apocalisse divina farà il suo corso,   una schiera di agguerriti soldati umani posseduti da angeli assedieranno il locale dove è asserragliata Charlie, intenzionati ad eliminare la scomoda prole umana, ma l’arcangelo Michele con l’aiuto di Bob (Dennis Quaid) il proprietario del locale, il figlio di quest’ultimo Jeep (Josh Lucas) e uno sparuto gruppo di clienti decisamente occasionali, armi alla mano uniranno le forze per difendere madre e nascituro.

In Legion L’esperto di effetti visivi ed esordiente Scott Stewart azzarda non poco  mettendo in scena una infinita serie di capisaldi del genere e clichè da B-movie, ponendo al centro della narrazione la figura dell’angelo vendicatore e sterminatore portata in auge da piccoli gioielli come L’ultima profezia, armandolo fino ai denti e dotandolo di massicce dosi di testosterone come nel recente Gabriel- La furia degli angeli, e inserendo suggestioni vampiro/demoniache in stile Constantine, Dal tramonto all’alba e 30 giorni di buio.

Non pago di questo escursus nel cinema di genere di nuova generazione, Stewart rincara la dose con una secchiata di B-cult d’annata che hanno fatto la storia del low-budget nel decennio 70-80, aggiungendo alla ricetta Terminator, Distretto 13, La notte dei mort viventi, e scopiazzando un piccolo cult televisivo che forse in pochi ricorderanno, ma che rappresenta la summa degli omaggi al B-horror, Il cavaliere del male, tv-movie della serie Racconti della cripta che insieme al Terminator di Cameron pone le fondamenta su cui Stewart costruisce  un film con troppi difetti, anche se non privo di qualche intrigante suggestione che lo rende comunque digeribile, nonostante una sfacciatagine quasi da plagio.

Tra i molti  difetti di Legion l’irritante sensazione di già visto che attraversa ogni singola sequenza, vedi i cult appena citati, palesandosi addirittura nell’utilizzo degli effetti speciali pochi e decisamente mal sfruttati, vedi l’angelo/nonnina che passeggia sul soffitto da L’esorcista: La genesi o la tempesta di mosche e dinoccolato angelo/gelataio con mascellone deforme stile Imhotep, direttamente da La Mummia. Insomma la citazione in un B-movie è d’obbligo, ma non deve essere una scusa per una palese mancanza di idee, e una imprescindibile impronta personale che qui purtoppo latita.

Pregi nel film ce ne sono sicuramente, e si palesano con fatica nel guazzabuglio citazionista che il regista mette in scena in poco più di 90 minuti, un’ottima fotografia, una suggestiva colonna sonora, e alcune sequenze visivamente azzeccate, vedi alcune scene esterne dell’assedio o il corpo a corpo finale tra arcangeli, senza dimenticare un cast dignitoso castrato da personaggi monocorde e tagliati con l’accetta, alle prese con dialoghi che non permettono margine di caratterizzazione e mancanti dell’ironia necessaria, ne escono comunque dignitosamente il veterano Dennis Quaid, e il bravo Paul Bettany, algido arcangelo che porta a casa il risultato migliore.

Detto ciò in Legion non è tutto da buttare, alla fine si sfiora comunque la sufficienza fermo restando che stiamo parlando di un prodotto da visionare in un decisamente più consono formato home-video, riguardo al regista lo attendiamo al varco con la sua prova d’appello presto nelle sale, il vampire-western Priest, sempre Paul Bettany tormentato protagonista.

In un affollato edificio in quel di Los Angeles un dinamitardo folle (Dennis Hopper) piazza dell’esplosivo sui freni d’emergenza di un ascensore, per poi una volta presi in ostaggio gli occupanti avvertire le autorità che li ucciderà tutti se non gli verranno consegnati tre milioni di dollari. Due membri della squadra SWAT intervenuti sul posto, Jack Traven (Keanu Reeves) e Harry Temple (Jeff Daniels) intuiscono che l’attentore soldi o non soldi ucciderà comunque gli ostaggi, così decidono di evacuare l’ascensore.

Dopo aver portato in salvo gli ostaggi Traven intuisce la posizione da cui il terrorista comunica e lo rintraccia poprio nell’edificio, ma quest’ultimo munito di giubbotto esplosivo e preso in ostaggio il suo collega Harris, minaccia di farsi esplodere. Traven ha poco margine per decidere, spara quindi alla gamba del partner, e mentre sta per fare altrettanto con l’attentatore in fuga quest’ultima si immola alla causa detonando l’esplosivo.

Sembra che il folle sia morto, purtroppo la realtà è ben diversa l’attentatore ha solo simulato la sua esplosiva dipartita e si è ritirato di buon grado nel suo covo da bombarolo per architettare la sua vendetta, stavolta l’idea è di predisporre un dispositivo a tempo che trasformi un autobus di linea in una bomba semovente.

Così piazzato l’ordigno il folle si godrà lo spettacolo attraverso una microcamera piazzata sul veicolo, nel bus ci sono una ventina di persone tra cui l’autista che ferito lascerà il posto di guida ad uno dei passeggeri, la coraggiosa Annie Porter (Sandra Bullock), che con l’aiuto di Traven, nel frattempo salito sul bus in corsa, cercherà di salvare i passeggeri. Dimenticavo un piccolo particolare, se il bus si ferma o scende sotto le 50 miglia orarie innescherà la detonazione e come si suol dire buonanotte ai suonatori.

Ecco una di quelle volte in cui lo script e una serie di fortunate congiunzioni fanno la differenza, infatti Speed ha nello script ad opera del canadese Graham Yost (Nome in codice: Broken Arrow) l’elemento vincente,  l’ottimo feeling tra i due  protagonisti, la solida messinscena ad opera dell’esperto Jan de Bont (Twister, Tomb raider 2-La culla della vita) e un villain d’eccezione come Dennis Hopper, sono solo optional di lusso che servono a valorizzare un’idea già vincente ed una sceneggiatura che ha l’intelligenza di arricchire un action a tutto tondo, , contaminandolo con elementi tipici del thriller che trasformano Speed, da potenziale divertissement  per patiti dell’azione, in un film che può tranquillamente aspirare ad un pubblico più variegato.

Speed è un ottimo film che si pone tra i migliori lavori di qusto vero e proprio sotto filone, vedi Ticker-Esplosione finale o Blown Away-Follia esplosiva, destinato però a rimanere un episodio unico e difficilmente ripetibile, prova ne è che lo stesso team creativo, regista e sceneggiatore, si riunirà tre anni dopo Speed per sfornare il pessimo sequel Speed 2-Senza limiti, cercando invano di riproporre la stessa formula, la Bullock improvvida si lascerà tentare, Keanu Revees passerà la mano, e seguendo il fil rouge del primo film si sceglierà un villan di spessore reclutando Willem Dafoe, risultato? Tutto un altro pianeta, film anonimo, costosissimo e fracassone, e con un protagonista, il bravo Jason Patric, assolutamente inadatto al ruolo.

1990, il regista Neri Parenti grande amante del cinema muto americano e delle sue tipiche gag fisiche di cui infarcisce i suoi film, omaggiando di volta in volta Buster Keaton piuttosto che Charlie Chaplin, dopo aver inserito per anni massicce dosi di queste dinamiche con un surplus sia nello spassoso Ho vinto la lotteria di Capodanno che nel dittico Scuola di ladri, decide di fare il grande salto e riportare in toto sullo schermo, con un’operazione non priva di rischi, la formula comica originale puntando su una coppia di attori protagonisti assoluti con gag a profusione e scenette legate da un filo di trama, insomma il classico repertorio che ha fatto la fortuna di grandi coppie come Stan Laurel e Oliver Hardy alias Stanlio & Ollio.

Parenti conosce il genere e da buon veterano ne attualizza le dinamiche quel tanto che basta per renderle fruibili al pubblico odierno e scegli due personaggi ad hoc senza puntare sulle diversa connotazione fisica, anzi cercando una compatibilià proprio nella fisicità e riconoscibilità. La scelta cade su Paolo Vilaggio che con il suo Fantozzi ha fatto di ingombrante fisicità spassosa virtù e di quel cinema che ha ispirato Parenti un segno distintivo della sua filmografia, e Renato Pozzetto che se pur lontano dalla comicità del collega Villaggio e puntando sul grande schermo a personaggi dalla vis comica più surreale che fisica, ripesca il suo repertorio degli esordi da cabaret televisivo con l’amico e collega Cochi Ponzoni per diventare ottimo complemento al fantozziano partner.

Il primo film della trilogia, Le comiche cavalca l’onda della coppia inedita che a suo modo funziona pur non entusiasmando, e ad un impianto narrativo esile esile che comunque riesce a collegare i vari episodi con una certa coerenza almeno visiva, come peraltro accade con Le comiche 2 che segue di pari passo la trama del primo, sempre episodi che vedono la coppia inpegnata in diversi ruoli/mestieri, dai metronotte agli infermieri, ma la formula comincia a perdere smalto, smalto che in realtà già andava scemando durante il primo capitolo.

E se i primi due capitoli a loro modo avevano un minimo di perchè, il terzo Le nuove comiche è girato all’insegna dell’operazione commerciale tout-court, si cerca di sfruttare una formula ormai giunta al suo limite estremo e che non avrebbe neanche richiesto un secondo capitolo, i protagonisti latitano, la coesione tra un episodio l’altro è davvero troppo labile, ne esce un prodotto troppo light, più televisivo del solito, coincidenza vuole che sarà proprio una tv ad innnescare la girandola di eventi che porteranno i nostri eroi a vestire di volta in volta i panni di pasticcioni elettricisti, fantozziani campeggiatori, improbabili guardie del corpo e via discorrendo.

Le nuove comiche chiude malamente una trilogia palesemente tirata per le lunghe, un film sarebbe stato più che sufficiente, ma come si sa il botteghino detta legge e l’idea va sfruttata oltremodo, per quanto trita possa apparire sino a che il pubblico saturo non fugge dalle sale a gambe levate.

Stati Uniti  1865  a poche ore dall’assassinio di Abraham Lincoln scopriremo l’esistenza di una misteriosa setta cospiratrice che sembra aver ordito l’omicidio del presidente americano, e celato in una mappa occulta gli indizi che portano a alla leggendaria città d’oro di Cibola, una sorta di Eldorado perduta, la soluzione del  mistero è celata nelle pagine perdute del diario di John Wilkes Booth, la mano che ha messo in atto l’attentato presidenziale.

140 anni dopo, ai giorni nostri le pagine di quel diario sembrano irrimediabilmente andate perdute nella notte dei tempi, ma Ben Gates (Nicolas Cage) e suo padre Patrick (John Voight) ne rintracciano una che sembra celare l’insinuazione infamante che la famiglia Gates fosse all’epoca dei tragici fatti, parte nella cospirazione che portò all’assassinio di Lincoln.

Ben con la sua partner, l’esperta di storia americana Abigail Chase (Diane Kruger) e il supporto dell’esperto informatico e socio Riley Poole (Justin Bartha)  decide di scoprire la verità e riabilitare il nome del suo antenato iniziando una caccia al tesoro che lo porterà in Francia, in Inghilterra per poi tornare in patria onde lanciarsi nella folle impresa di violare il santuario della sicurezza nazionale, la Casa Bianca location dell’ultimo decisivo indizio.

La ricerca del terzetto però non è passata inosservata, e come da copione alle calcagna della squadra c’e l’ambiguo Mitch Wilkinson (Ed Harris) che vuole le pagine del diario per se ad ogni costo, e per averle utilizzerà qualsiasi mezzo, compresa la famiglia di Ben.

Seconda caccia al tesoro firmata Disney per il protettore di tesori Ben Gates alias Nicolas Cage che gioca a fare Indiana Jones e ci riesce piuttosto bene, anche se in questo secondo episodio il regista John Turteltaub, già alla regia del primo capitolo Il mistero dei templari, pasticcia un pò troppo con la storia, ci infila in mezzo Lincoln, teorie complottiste, sette segrete, una Eldorado nel mezzo degli Stati Uniti e una corposa serie di licenze storiche, ma sopperisce con un surplus di azione e un finale alla Tomb Raider che non potrà non divertire gli amanti dell’avventura ed i nostalgici del professor Jones.

Per Il mistero delle pagine perdute Il cast è confermato in toto, e alla coppia di veterani Harvey Keitel e John Voight si aggiungono un paio di new entry di gran lusso, l’attrice inglese Helen Mirren redice dall’Oscar come miglior attrice protagonista per The Queen, e il versatile Ed Harris, una vera sicurezza sia che vesta i panni dell’omicida, dell’eroe di guerra o del padre di famiglia. E per la serie ma dove l’ho già vista…la bionda partner di Cage esperta di storia americana è la Diane Kruger di Bastardi senza gloria.

Isabel (Julia Roberts) è una fotografa di moda, con un istinto materno un pò appannato e con tanto di quel lavoro dai ritmi frenetici, da trovarsi in evidente imbarazzo quando il suo nuovo comapagno Luke (Ed Harris) le affida i suoi due figli avuti dal precedente matrimonio con Jackie (Susan Sarandon).

E’ chiaro che Isabel nonostante l’impegno e la volontà profusi si troverà in difficoltà nel maneggiare l’umore altalenante dei due ragazzini freschi di divorzio, a complicare le cose ci si metterà l’incombente ombra di Jackie che rappresenta la madre perfetta e amorevole con cui confrontarsi quotidianamente, il che renderà Isabel alquanto insicura, insicurezza che ben presto si rifletterà nel suo rapporto con Luke.

Le cose però cambieranno quando Jackie scoprirà di avere un cancro, e capirà che nonostante la rivalità e le divergenze con la nuova compagna dell’ex-marito, sarà  quest’ultima, una volta che lei non ci sarà più, a prendersi cura dei suoi amati bambini, e così  farà in modo che i tre possano conoscersi, apprezzarsi e infine accettarsi, così da diventare una vera famiglia.

Bisogna dire che la trama di Nemiche amiche dava adito a munirsi di scorta di fazzoletti per copiosa e prevedibile sequenza di scene strappalacrime, invece il regista Chris Columbus veterano del formato family, nel currculum un paio di incursioni con il maghetto Potter in quel  di Howgarts, la serie di Mamma ho perso l’aereo e il recente Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo, sa davvero il fatto suo e si affida ad un terzetto di veterani del genere, Julia Roberts, Susan Sarandon e Ed Harris, che non si lasciano mai tentare dall’alto tasso drammatico dello script, e ci regalano una performance contenuta, mai sopra le righe e decisamente godibile.

Anche la regia va di pari passo, insomma gli elementi per il melò d’assalto c’erano davvero tutti, malattia terminale, figli divorziati, un matrimonio fallito, ma Colunbus si destreggia bene supportato dall’ottimo cast e porta a casa un dignitoso risultato, regalandoci un paio d’ore di recitazione e messinscena credibili, utilizzando al meglio tutto il repertorio di clichè del genere senza mai realmente approfittarne. Un’ultima curiosità il film è dedicato alla madre di Columbus scomparsa proprio per un cancro, ad un anno dall’inizio delle riprese.

In una cittadina ligure approda con la sua barca un ex-campione di football americano soprannominato durante i suoi anni di agonismo Bulldozer per l’imponenza del fisico. e l’abilità nello stendere in un sol colpo schiere di giocatori avversari.

Bulldozer però non ha voglia di ricordare i tempi andati, vuole solo riparare la sua barca in panne e rimettersi in viaggio, lasciandosi alle spalle il periodo delle competizioni sportive abbandonato a causa di una serie di delusioni che lo hanno visto scoprire partite truccate e intrallazzi vari, costringendolo così ad abbandonare un sport che amava, ma in cui non si riconosceva più.

Scoperta la sua identità un gruppo di ragazzotti locali, in procinto di tirare su una scalcinata squadra di football americano, cercano invano di convincere Bulldozer a fargli da coach, ma lui non ne vuol sapere di tornare in campo.

I ragazzi faranno però un’ottima opera di convincimento supportata da un fastidioso e prepotente gruppo di soldati della locale base americana. capeggiati da un vendicativo comandante, ansioso di regolare un vecchio conto in sospeso con Bulldozer.

Un riuscito assolo di Bud Spercer alias Carlo Pedersoli, Lo chiamavano Bulldozer unisce la ricetta a base di ironia e scazzottate da saloon tipica della filmografia  dell’attore napoletano, ad una cornice sportiva che ammicca al cinema americano, su tutti il classico Quella sporca ultima meta di Robert Aldrich.

Il regista Michele Lupo, veterano con una lunga filmografia che spazia dal peplum al western e che tornerà a dirigere Spencer un anno dopo nel divertente Uno sceriffo extraterrestre…molto extra e poco terrestre, mette in campo tutta l’eperienza  del caso allestendo un’efficace e fruibile messinscena sempre sul filo dell’ironia, mai violenta o volgare, e calata in un intrigante formato Film per tutti.

Due curiosità: Lupo dirigerà ancora Spencer quattro anni dopo in Bomber. film praticamente identico a questo, solo con la boxe al posto del football americano, e alla colonna sonora del film composta dagli Oliver Onions ha collaborato lo stesso Spencer.