La futura anticonformista e un pò ribelle ape operaia Barry Benson, proprio mentre è in procinto di prendere il posto che gli spetta nell’operosa società di produttrici di miele del suo alveare, decide di infrangere una delle regole cardine della sua società, mai e poi mai parlare con gli esseri umani.

La trasgressione di Barry nasce dal fatto che le ambizioni della giovane ape sono di certo molto confuse, ma non comprendono sicuramente un lavoro da catena di montaggio per quanto possa essere utile alla società, così proprio l’imminente assegnazione di un impiego che lo relegherà per sempre ad un’attività monotona e di cui non sente l’importanza, porterà Barry fuori dall’alveare a cercare nuove ispirazioni e motivazioni.

Quando il suo primo contatto umano, una fioraia di New York City, lo farà apperocciare alla società umana scoprendo che il miele prodotto con tanta fatica dalle sue colleghe viene consumato arbitrariamente proprio dagli esseri umani, Barry deciderà che è il momento di ribellarsi e di far valere i propri diritti, intraprendenndo una causa contro l’intera razza umana per un abuso e  sfruttamento che si protrae ormai da troppo tempo.

Quello che purtroppo scoprirà Barry una volta vinta la causa e riconsegnato tutto  il miele agli alveari, è che in realtà il consumo arbitrario di miele e l’uomo stesso,  sono parte di un meccanismo naturale che mantiene in essere un delicato equlibrio, e che Barry con le sue azioni, se pur mosse dalle più nobili intenzioni,  ha contribuito ad alterare con catastrofiche conseguenze per i suoi simili.

Ci sono l’attore comico Jerry Seinfield, volto noto al pubblico del piccolo schermo per la fortunata sit-com anni ‘90 Seinfield, e il regista e produttore Steven Spielberg dietro a questo divertente cartoon, il primo scrive il soggetto, co-sceneggia e doppia il protagonista, mentre il secondo produce mettendo a disposizione risorse umane, creative e tecnologiche della sua Dreamworks.

La coppia di registi Steve Hichner e Simon J. Smith sforna un cartoon di ultima generazione molto intrigante con l’indubbio pregio/difetto di rivolgersi principalmente ad un pubblico adulto, ambizione che in prodotti d’animazione potrebbe trasformarsi in un limite di fruibilità.

Bee movie cerca di porsi come un’alternativa ai tipici prodotti d’animazione made  in Hollywood con un look volutamente poco appariscente, e il tentativo di rendere credibile e realistica  la storia, innestandovi elementi tipici delle comedy live-action, ammiccamenti al mondo dei media americano, ed elementi mediatico-legali tipici di molte battaglie ambientaliste, trasformando la società degli insetti in uno specchio di quella umana, non rispettando per molti alcuni crismi entomologici che gli sono costati molte critiche, elementi distintivi che in realtà ne fanno sicuramente un prodotto atipico, ma non certo qualitativamente inferiore.

Naturalmente tra gli intenti in fase di scrittura e la realizzazione c’è di mezzo l’uniformante macchina produttiva hollywoodiana, che come al solito punta a mediare, smussando in parte le tematiche adulte con tutta una serie di accorgimenti atti ad incontrare i gusti di  una platea il più variegata possibile con particolare attenzione al pubblico dei più piccini, ne viene fuori un prodotto intrigante, ma dall’identità non ben definita, un ibrido che però mantiene alcuni spunti originali da non sottovalutare.

Inghilterra fine 1700, nel bucolico Hertfordshire le sorelle Bennett in età da marito sono in cerca di buoni partiti spinte da una petulante e chiassosa madre. La loro famiglia di umili origini non permette a nessuna una dote ed una sicurezza per il futuro, e solo un matrimonio ben pianificato eviterà che le vivaci donzelle disonorino il nome della famiglia, e diventino fonte di preoccupazione ed imbarazzo per il sin troppo comprensivo padre.

L’arrivo dalla città del giovane e facoltoso Bingley (Simon Woods) in compagnia della sorella e del taciturno e scontroso Darcy (Matthew MacFadyen), ed il ballo organizzato per festeggiare la sua permanenza, saranno l’occasione per proporre al giovane la primogenita delle sorelle Bennett, la timida e graziosa Jane (Rosamund Pike).

Il ballo sarà anche l’occasione per la secondogenita ribelle e anticonformista Elizabeth (Keira Knightley), di conoscere e scontrarsi proprio con i modi burberi del fascinoso Darcy, schermaglie amorose che saranno il preambolo per una passione forte, difficile per entrambi da ignorare. Un sentimento che resterà appena in superficie mentre nella vita di Elizabeth transiterà l’affascinante luogotenente Wickham, che colpirà la giovane Elizabeth, ma non avrà il tempo per approfondirne la conoscenza, visto che verrà trasferito in fretta e furia dopo un fortuito incontro proprio con un Darcy che mostrerà una certa ostilità verso il giovane soldato.

Ben presto una serie di eventi nefasti mineranno le possibilità di matrimonio per Jane, e daranno il via a tutta una serie di circostanze che porteranno Elizabeth a serbare rancore verso Darcy, e a rifiutare la sua proposta di matrimonio che arriverà repentina, dopo alcune voci che lo vogliono responsabile del mancato matrimonio tra Jane e il giovane Bingley. Ci vorrà tempo e comprensione, nonchè lo zampino del destino, perchè tutto assuma la giusta prospettiva, e l’amore tra Darcy ed Elizabeth possa trovare finalmente possibiltà di esprimersi liberamente.

Il talentuoso esordiente Joe Wright dopo due cortometraggi adatta per il grande  schermo il romanzo più trasposto di Jane Austen, Orgoglio e pregiudizio. Una prova impegnativa per un debutto che si rivela ricco di sorprese sia a livello visivo che per l’interpretazione di una splendida Keira Knightley, che dimostra di avere un innato carisma da diva e si guadagna la sua prima nomination agli Oscar.

Wright sfodera un talento per la regia che stupisce ad ogni sequenza, dotato di una squisita ed intrigante formalità visiva che si palesa in ogni ricercata inquadratura, ed in ogni elegante movimento della macchina da presa, sempre attento a dare alle sequenze una plasticità quasi pittorica aiutato nella messinscena da un cast eterogeneo nella performance, e un’intensa protagonista che si cimenta in una prova davvero memorabile.

Wright ci propone un rispettoso adattamento del romanzo della Austen, rispettandone lo spirito, ma non dimenticando  un approccio molto moderno allo script, trasmettendo con efficacia l’anticonformismo della volitiva protagonista. Il romanticismo non è mai retorico, formale o impettito, il che potrà sicuramente attirare un platea di giovani spettatori, che magari per l’occasione riscopriranno l’intramontabile fascino di un classico letterario.

Sudamerica, Il colosso dal cuore d’oro Banana Joe (Bud Spencer), soprannome guadagnato trasportando lungo il fiume nei pressi dello sperduto villaggio di Amantido carichi di banane, si trova nei guai a causa di un ambizioso boss malavitoso, il losco ed avido Torsillo, intenzionato a realizzare un progetto che prevede la costruzione di un casinò nei pressi del villaggio. nonchè  il controllo di tutti i traffici commerciali legali e non della zona.

Banana Joe purtroppo non è provvisto di nessuna licenza per il suo lavoro ed è costretto a recarsi nella vicina città di San Cristobal, dove si dovrà procurare i documenti necessari per regolarizzare la sua licenza di trasportatore, qui per sua sfortuna incontrerà un piccolo truffatore napoletano che si offrirà di aiutarlo creando solo problemi e complicazioni.

Banana Joe durante la sua permanenza nella costosa cittadina si troverà presto senza un soldo. e dopo aver cercato lavoro come buttafuori in un locale, che si scoprirà poi di proprietà di Torsillo, e conosciuta un’affascinante cantante di Night, sarà costretto a fare il servizio di leva per avere accesso ai famigerati documenti che gli serviranno per il suo laroro, ottenuti i quali tornerà di corsa ad Amantido per partecipare a modo suo all’inaugurazione del casinò di Torsillo.

Ennesima incursione in solitaria sul grande schermo per Bud Spencer, ormai lanciatissimo nella sua carriera solista senza l’inseparabile compagno di scazzottate Terence Hill, anche quest’ultimo alle prese con alcuni fortunati ruoli da solista come Mister Miliardo e Poliziotto Superpiù. Dietro la macchina da presa il veterano Steno (I tartassati, Febbre da cavallo) che aveva già diretto Spencer in tutta la serie dedicata al poliziotto napoletano Piedone, la mano esperta di Steno si palesa nella solida messinscena e nello script fruibile e spassoso a cui ha collaborato un altro veterano del cinema di genere, Bruno Corbucci.

L’accoppiata Steno/Corbucci e l’ambientazione esotico/avventurosa in cui Spencer si cala con la sua solita vis ironica e sorniona, non fanno sentire la mancanza del partner di una vita, e il rispetto di tutti i clichè della comedy action-avventurosa all’italiana condita con fumettose scazzottate, gag formato famiglia e cattivi da comica, danno alla pellicola una marcia in più ponendola senza dubbio tra i più divertenti e riusciti film interpretati dall’attore napoletano. Naturalmente memorabile score ad opera dei fratelli Guido e Maurizio De Angelis, alias Oliver Onions. (di seguito un video con la song tratta dalla colonna sonora Banana Joe).

La vita dell’italo-americano Gino Felino (Steven Seagal) nel quartiere di Brooklin non ha avuto lo stesso percorso di molti suoi coetanei finiti al soldo delle famiglie malavitose della zona tra droga e prostituzione. Felino è diventato un poliziotto, ma non ha dimenticato le sue origini e ha mantenuto i contatti con il suo quartiere ed alcuni amici d’infanzia.

Questo suo stare nel mezzo ne fa una sorta di ago della bilancia tra autorità e criminalità, ma Felino pur se onesto e dotato di un alto senso della giustizia ha qualche problema a gestire sul lavoro il suo carattere irruento e i suoi modi sin troppo spicci, e in più di un’occasione si è dimostrato fonte di imbarazzo per il dipartimento di polizia.

I guai per il detective arriveranno però da quella che si può definire una mina vagante, lo psicopatico tossicodipendente Richie Madano (William Forsythe) che con tre compagni di scorribande si da alla mattanza per il quartiere sotto l’effetto di ingenti quantitativi di droga e alcol, che in pieno delirio di onnipotenza lo porteranno a strafare e a freddare proprio il partner di Felino.

I delicati equilibri tenuti in piedi dal poliziotto  sino a quel momento si fanno decisamente labili, da una parte il capo di Felino che vuole scatenare una ritorsione nel quartiere, dall’altra il boss di Madano che capito che il soggetto è ingestibile decide di far partire una spedizione punitiva per risolvere una volta per tutte il problema, nel mezzo come al solito Felino che furioso inizia una serrata caccia all’uomo.

Giustizia a tutti i costi insieme agli esordi di Nico e Duro da uccidere, e il successivo Trappola in alto mare rappresentano la summa delle migliori produzioni made in Seagal, prima dello spartiacque Sfida tra i ghiacci che ha visto le produzioni dell’attore prendere una pericolosa china che lo ha portato inevitabilmente alle ultime produzioni in serie formato direct-to-video.

Bisogna anche dire che Seagal da Sfida tra i ghiacci in poi  ha avuto alcuni  ruoli più che dignitosi, vedi Decisione critica e Ticker-esplosione finale, e un tentativo di resurrezione su grande schermo con tanto di drastica dieta dimagrante e modaiolo action hip-hop cucito a misura con l’interessante Ferite mortali.

La forza di Giustizia a tutti i costi e delle similari produzioni precedenti è quella di avere una trama da poliziesco e un Seagal perfettamente calato nel ruolo a lui più congeniale di ambiguo, violento e carismatico vendicatore di soprusi ed ingiustizie a suon di spalle slogate e colli spezzati.

La cupa ambientazione metropolitana di questa pellicola, il quartiere malfamato, tonnellate di brutti ceffi da foto segnaletica, e la microcriminalità inserita nel quotidiano, rappresenatano una perfetta nemesi per Seagal da abbattere a colpi di Aikido, tutti elementi che hanno un ingenuità di fondo che funziona, e mancano di quei fronzoli  mistico-ambientalisti che hanno minato gran parte della successiva filmografia dell’atleta-attore.

Ad aggiungere un surplus di credibilità a messinscena e sceneggiatura l’ottimo  lavoro del regista John Flynn, veterano che vanta nel curriculum alcuni degni rappresentanti della cinematografia di genere anni ‘80-’90, come l’ottimo prison-movie Sorvegliato speciale con Sylvester Stallone e il fanta-horror con Edward Furlong Brainscan-il gioco della morte.

Storia politica e misfatti rigorosamente reali del deputato americano Charlie Wilson (Tom Hanks), la sua passione per donne, alcol e droga, le sue connessioni con il potentato della destra americana, l’approcio creativo alla politica estera, e la sua nonchalance nel maneggiare fondi governativi e intrallazzare amabilmente tra CIA e Congresso.

Sono gli anni’ 80, la Russia imperversa in Afghanistan. i mujaheddin cadono a centinaia sotto il fuoco di fila dei potenti elicotteri da guerra sovietici, l’America sta nel mezzo, è presente, ma senza una vera politica d’intervento o finanziamenti  che siano decisivi nel conflitto, ci penserà Wilson a dare una scossa allo scenario afgano grazie alle sue amicizie nell’Agenzia, e al suo potere nel gestire fondi governativi, fornendo finanziamenti ed armamenti che aiuteranno i mujaheddin nella resistenza contro i sovietici.

Bisogna dire che il regista Mike Nichols (Il laureato,Wolf-La belva è fuori) nell’adattare il libro di George Crile Il nemico del mio nemico, fatica non poco a trovare una dimensione in cui raccontare una storia vera che sembra una parodia, e che sfoggia personaggi tanto surreali che avrebbero potuto con un casting poco oculato, estremizzare la messa in scena già farsesca di per sè.

Cosi Nichols sceglie degli attori dalla vis comica sfumata e dall’ironia sorniona come appunto Tom Hanks e Phillip Seymour Hoffman, che si danno un gran da fare per non eccedere nella caratterizzazione, cosa non semplice con personaggi al limite della macchietta, e mentre Tom Hanks eccede risultando forse troppo contenuto, adattandosi comunque al tono della pellicola, Hoffman dal canto suo osa un pò di più, dimostrando di viaggiare su un altro livello.

Alla coppia si aggiunge una splendida e ritrovata Julia Roberts che sfoggia  un’inedita acconciatura bionda ed un ruolo da donna potente e volitiva che l’attrice padroneggia con gran classe, classe che ritroveremo in formato deluxe nel successivo Duplicity di Tony Gilroy in coppia con Clive Owen.

La politica sul grande schermo non è argomento semplice con cui cimentarsi, alla fine si finisce sempre per mediare, il problema si accentua quando il tema viene affrontato sul limaccioso terreno della satira, Nichols ne esce bene, anche se non del tutto indenne, il film infatti ha tutta l’aria del gradevole compitino ben fatto, non cattivo quanto avrebbe potuto, comunque il cast di gran classe  da una bella mano, e la messisncena sempre in bilico tra farsesco e surreale alla fine paga, e permette al regista di portare a casa un dignitoso risultato.

Il detective della omicidi di Boston Thomas Craven (Mel Gibson) è un padre single che ama profondamante la figlia Emma (Bojana Novakovic) e come molti padri ne ha idealizzato la figura di bambina, ma Emma è già una donna, laureata, con un ragazzo ed un buon lavoro, e quando la ritrova per una visita in città sente in cuor suo di aver perso un pò di quella ragazzina e di non conoscere affatto la donna che ha di fronte, ma non avrà il tempo necessario ne di pentirsene, ne tantomeno di rimediare, perchè Emma verrà brutalmente asassinata da due killer a volto coperto proprio sulla porta di casa, davanti ai suoi occhi.

Le indagini sull’omicidio naturalmente porterannno le autorità a concentrarsi su eventuali nemici del detective, ma tutte le piste porteranno ad un vicolo cieco, così lo stesso Craven, ancora palesemente traumatizzato dall’evento, deciderà di indagare nel quotidiano della figlia che non conosceva, scoprendo così una serie di strane coincidenze e decessi, che lo condurranno dritto dritto alla multinazionale Northmoor dove la figlia lavorava come ricercatrice, società dotata di un notevole muro di gomma che non permetterà a Craven ne di approfondire quale ruolo ricoprisse la figlia, ne di cosa si occupi esattamente la multinazionale.

Craven riuscirà lentamente a penetrare quel muro, utilizzando tutta la sua esperienza di poliziotto, e una buona dose di violenta determinazione per carpire indizi, estorcere confessioni, arrivando a scoprire un’intricata rete di protezione e corruzione che tocca i vertici della politica e della sicurezza nazionale, scatenando un vero putiferio e una serie di ritorsioni, ma Craven non ha nulla da perdere, e userà ogni mezzo necessario per scoprire mandanti ed esecutori dell’omicidio di sua figlia.

Dai trailer visionati prima della nostra recensione si poteva evincere che Edge of darkness pescasse a piene mani dal genere revenge-movie lanciato a suo tempo da Charles Bronson e il suo vendicativo e iperviolento Giustiziere della notte, figlia uccisa, padre furioso, vendetta tremenda vendetta! insomma tutto il repertorio del caso.

Invece la sorpresa è che il film miscela thriller politico, action, poliziesco in un sapiente mix che ha origine da una serie tv inglese, e da uno script ha cui ha collaborato lo sceneggiatore premio Oscar per The Departed William Monahan, a cui si aggiunge un efficace, tormentato e dolente Mel Gibson immune da ogni artificio chirurgico tanto in voga in quel di Hollywood, che invece di età e rughe fa in questo caso virtù.

L’attore australiano ha il concetto di famiglia ben impresso nel DNA, sesto di undici figli e padre di sette, riversa con grande efficacia la sofferenza, anche se virtuale, di una perdita devastante come quella patita dal protagonista, cosa c’è di più innaturale del seppelire i propri figli?, ma sempre ben lungi dal mostrarsi allo spettatore come una sorta di vendicatore o deviato supereroe, mai durante la visione vediamo sullo schermo null’altro che un padre furioso e devastato.

Il resto lo fa il veterano Martin Campbell, un regista che oltre a sfoggiare  un’intrigante impronta visiva, ama visitare il cinema di genere, e lo dimostrano un paio di Bond, l’avventuroso La maschera di Zorro, il legal Legge criminale, e l’action fantascientifico Fuga da Absolom, tutti esempi della versatilità di questo cineasta, che decide in questo caso di adattare una serie tv di cui egli stesso a suo tempo, parliamo del 1985, diresse alcuni episodi.

Campbell non si lascia tentare dalla violenza tout-cout da angelo vendicatore, ne tantomeno dalla spettacolarizzazione formato action di molti thriller di ultima generazione, gioca la carta vincente del thriller, svela le carte lentamente, inserisce oculatamente perle di violenza estrema che in platea arrivano come un inesorabile diretto ben assestato, che però non mira a stendere lo spettatore lasciandogli quel tanto di lucidità per non perdere di vista la narrazione,e alla fine gli si perdona anche un finale che indugia nella retorica da espiazione, un piccolo neo che dopo cotanta messinscena accettiamo più che volentieri.

Torna Frank Martin (Jason Statham) ex-militare ed esperto pilota di vetture che decide di rifiutare un trasporto speciale da un cliente che reputa non affidabile, così consiglia al mancato datore di lavoro di rivolgersi altrove.

Il professionista che prenderà il posto di Martin si rivelerà non all’altezza del compito, ferito e braccato dalle autorità si rifugerà proprio in casa del collega dove chiederà il suo aiuto, ma l’uomo morirà e Martin scoprirà che il pacco da consegnare è Valentina (Natalya Rudakova), una giovane e misteriosa ragazza.

Il criminale che ha commissionato il lavoro ritiene Martin responsabile della fallita consegna, così costringe quest’ultimo a portare a destinazione Valentina, Accettato suo malgrado il lavoro, Martin sarà costretto ad indossare un braccialetto esplosivo, così a bordo della sua inseparabile Audi riceverà le coordinate della destinazione finale, e avrà il tempo del tragitto per scoprire chi è la misteriosa Valentina, liberarsi del braccialetto, e trovare una soluzione per uscire dal mare di guai in cui si è cacciato.

Luc Besson prosegue la sua prolifica fase produttiva con una delle due serie che il regista francese è riuscito ad imporre sul mercato americano, la prima è Taxxi, la seconda è appunto la serie Transporter, che dopo un ottimo primo capitolo diretto a quattro mani dal Louis Terrier di Danny the Dog e dall’attore e regista cinese Corey Yuen (DOA-Dead or Alive), ed una fracassona trasferta hollywoodiana per un sequel, Transporter Extreme, diretto in solitaria dal solo Terrier, ecco proporci un discreto terzo capitolo ad opera del francese Olivier Megaton.

Il regista Megaton, proveniente come molti talenti della scuderia Besson dal mondo della pubblicità e dei videoclip musicali, riporta il film in un contesto europeo e non solo come location, ma anche come intenti, si abbandonano gli eccessi e il fumettoso formato Crank del secondo capitolo americano, e si punta su uno script decisamente più consono, con intriganti coreografie marziali e l’immancabile sequela di inseguimenti in stile Fast & Furious.

Transporter 3 si rivela una piacevole sorpresa, non privo di qualche sbavatura,  ma deciamente superiore al secondo capitolo. Statham è sempre efficace e si trova perfettamente a suo agio in ruolo creato ad hoc, anche se in questo caso l’attore non può sfoggiare più di tanto l’ironia che ne contraddistingue la recitazione, e che lo ha più volte accomunato al collega Bruce Willis.

San Valentino in quel di Los Angeles, una serie di personaggi tutti rigorosamente  innamorati o in cerca dell’anima gemella affrontano la giornata dedicata all’amore, c’è chi approfitta per dichiararsi con una bella proposta di matrimonio e dall’altra parte scatta l’ansia,e chi invece ha finalmente trovato l’amore che cercava da una vita, non sapendo che in realtà la delusione è proprio dietro l’angolo.

Ci sono poi i fedigrafi, i fidanzatini pronti per la loro prima volta, gli eterni sposini ultrassantenni che si trovano di fronte a segreti inconfessabili, e uno sportivo gay che coglie l’occasione per fare coming out, ma ci sono anche quelli a cui San Valentino mette solo tristezza ricordandogli la mancanza di un amore mai veramente cercato un pò per paura, un pò per pigrizia.

Appuntamento con l’amore negli States è andato a gonfie vele, certo il traino dell’uscita nella giornata degli innamorati è stata di una furbizia quasi imbarazzante, il regista Garry Marshall dirige con la solita efficacia questo puzzle romantico di anime in pena che si cercano, si pensano e qualche volta riescono anche a trovarsi.

Purtroppo l’esperienza del regista, suoi i deliziosi Pretty Woman e Quando meno te l’aspetti, non basta a dare verve a una partitura d’attori alquanto affollata, sono decisamente troppe le star e quasi star coinvolte nell’operazione, tutti intenti a ritagliarsi un pò di spazio cercando di caratterizzare personaggi compressi all’inverosimile in un marasma di story-line che si intrecciano, sfiorano ed accavallano senza lasciare allo spettatore nessuna possibilità di coinvolgersi troppo, e agli attori di costruire un minimo di empatia.

Parliamoci chiaro il film non è brutto, solo talmente dispersivo da risultare anonimo, e forse è ancora peggio, un vero rompicapo in rosa che spreca letteralmente un esercito di talentuosi co-protagonisti in una serie di frammentati episodi che finiscono per diventare interscambiabili, e anche se confezione e script sono di ottimo livello, il bisogno di assiepare sullo schermo un esercito di volti noti ha fatto passare in secondo piano la storia, che resta solo funzionale e nulla più.

In cielo si sta organizzando l’ultima incursione divina sulla terra, Dio deluso e sconcertato dalla follia e dalla violenza che scaturisce dalla anime perdute dei suoi figli, organizza una legione di angeli affinchè una volta sulla terra portino, come a suo tempo fece il diluvio universale, una purificatrice distruzione totale che mondi i peccati, ponendo fine alla razza umana.

A capeggiare la schiera di angeli legionari l’arcangelo Gabriele (Kevin Durand) che accetta di buon grado di farsi messaggero e portatore dell’ira divina sulla terra, onde spazzare via quell’essere imperfetto che ha usurpato il posto degli angeli nel cuore del Padre, così che gli angeli tornino ad essere i prediletti come è destino che sia.

Un angelo ribelle, il tormentato Michele (Paul Bettany) però non è d’accordo, crede nell’essere umano forse ancor di più del creatore stesso, e arrivato sulla terra, abbandonate ali ed armatosi fino ai denti, decide di difendere l’ultima anima che potrà con la sua nascita salvare la razza umana, il figlio mai voluto che Charlie (Adrianne Palicki) cameriera in una stazione di servizio nel bel mezzo del nulla, porta in grembo.

Cosi sarà proprio quel luogo nel mezzo del deserto, campo di battaglia e ultimo baluardo di difesa dell’umanità, e mentre l’Apocalisse divina farà il suo corso,   una schiera di agguerriti soldati umani posseduti da angeli assedieranno il locale dove è asserragliata Charlie, intenzionati ad eliminare la scomoda prole umana, ma l’arcangelo Michele con l’aiuto di Bob (Dennis Quaid) il proprietario del locale, il figlio di quest’ultimo Jeep (Josh Lucas) e uno sparuto gruppo di clienti decisamente occasionali, armi alla mano uniranno le forze per difendere madre e nascituro.

In Legion L’esperto di effetti visivi ed esordiente Scott Stewart azzarda non poco  mettendo in scena una infinita serie di capisaldi del genere e clichè da B-movie, ponendo al centro della narrazione la figura dell’angelo vendicatore e sterminatore portata in auge da piccoli gioielli come L’ultima profezia, armandolo fino ai denti e dotandolo di massicce dosi di testosterone come nel recente Gabriel- La furia degli angeli, e inserendo suggestioni vampiro/demoniache in stile Constantine, Dal tramonto all’alba e 30 giorni di buio.

Non pago di questo escursus nel cinema di genere di nuova generazione, Stewart rincara la dose con una secchiata di B-cult d’annata che hanno fatto la storia del low-budget nel decennio 70-80, aggiungendo alla ricetta Terminator, Distretto 13, La notte dei mort viventi, e scopiazzando un piccolo cult televisivo che forse in pochi ricorderanno, ma che rappresenta la summa degli omaggi al B-horror, Il cavaliere del male, tv-movie della serie Racconti della cripta che insieme al Terminator di Cameron pone le fondamenta su cui Stewart costruisce  un film con troppi difetti, anche se non privo di qualche intrigante suggestione che lo rende comunque digeribile, nonostante una sfacciatagine quasi da plagio.

Tra i molti  difetti di Legion l’irritante sensazione di già visto che attraversa ogni singola sequenza, vedi i cult appena citati, palesandosi addirittura nell’utilizzo degli effetti speciali pochi e decisamente mal sfruttati, vedi l’angelo/nonnina che passeggia sul soffitto da L’esorcista: La genesi o la tempesta di mosche e dinoccolato angelo/gelataio con mascellone deforme stile Imhotep, direttamente da La Mummia. Insomma la citazione in un B-movie è d’obbligo, ma non deve essere una scusa per una palese mancanza di idee, e una imprescindibile impronta personale che qui purtoppo latita.

Pregi nel film ce ne sono sicuramente, e si palesano con fatica nel guazzabuglio citazionista che il regista mette in scena in poco più di 90 minuti, un’ottima fotografia, una suggestiva colonna sonora, e alcune sequenze visivamente azzeccate, vedi alcune scene esterne dell’assedio o il corpo a corpo finale tra arcangeli, senza dimenticare un cast dignitoso castrato da personaggi monocorde e tagliati con l’accetta, alle prese con dialoghi che non permettono margine di caratterizzazione e mancanti dell’ironia necessaria, ne escono comunque dignitosamente il veterano Dennis Quaid, e il bravo Paul Bettany, algido arcangelo che porta a casa il risultato migliore.

Detto ciò in Legion non è tutto da buttare, alla fine si sfiora comunque la sufficienza fermo restando che stiamo parlando di un prodotto da visionare in un decisamente più consono formato home-video, riguardo al regista lo attendiamo al varco con la sua prova d’appello presto nelle sale, il vampire-western Priest, sempre Paul Bettany tormentato protagonista.

In un affollato edificio in quel di Los Angeles un dinamitardo folle (Dennis Hopper) piazza dell’esplosivo sui freni d’emergenza di un ascensore, per poi una volta presi in ostaggio gli occupanti avvertire le autorità che li ucciderà tutti se non gli verranno consegnati tre milioni di dollari. Due membri della squadra SWAT intervenuti sul posto, Jack Traven (Keanu Reeves) e Harry Temple (Jeff Daniels) intuiscono che l’attentore soldi o non soldi ucciderà comunque gli ostaggi, così decidono di evacuare l’ascensore.

Dopo aver portato in salvo gli ostaggi Traven intuisce la posizione da cui il terrorista comunica e lo rintraccia poprio nell’edificio, ma quest’ultimo munito di giubbotto esplosivo e preso in ostaggio il suo collega Harris, minaccia di farsi esplodere. Traven ha poco margine per decidere, spara quindi alla gamba del partner, e mentre sta per fare altrettanto con l’attentatore in fuga quest’ultima si immola alla causa detonando l’esplosivo.

Sembra che il folle sia morto, purtroppo la realtà è ben diversa l’attentatore ha solo simulato la sua esplosiva dipartita e si è ritirato di buon grado nel suo covo da bombarolo per architettare la sua vendetta, stavolta l’idea è di predisporre un dispositivo a tempo che trasformi un autobus di linea in una bomba semovente.

Così piazzato l’ordigno il folle si godrà lo spettacolo attraverso una microcamera piazzata sul veicolo, nel bus ci sono una ventina di persone tra cui l’autista che ferito lascerà il posto di guida ad uno dei passeggeri, la coraggiosa Annie Porter (Sandra Bullock), che con l’aiuto di Traven, nel frattempo salito sul bus in corsa, cercherà di salvare i passeggeri. Dimenticavo un piccolo particolare, se il bus si ferma o scende sotto le 50 miglia orarie innescherà la detonazione e come si suol dire buonanotte ai suonatori.

Ecco una di quelle volte in cui lo script e una serie di fortunate congiunzioni fanno la differenza, infatti Speed ha nello script ad opera del canadese Graham Yost (Nome in codice: Broken Arrow) l’elemento vincente,  l’ottimo feeling tra i due  protagonisti, la solida messinscena ad opera dell’esperto Jan de Bont (Twister, Tomb raider 2-La culla della vita) e un villain d’eccezione come Dennis Hopper, sono solo optional di lusso che servono a valorizzare un’idea già vincente ed una sceneggiatura che ha l’intelligenza di arricchire un action a tutto tondo, , contaminandolo con elementi tipici del thriller che trasformano Speed, da potenziale divertissement  per patiti dell’azione, in un film che può tranquillamente aspirare ad un pubblico più variegato.

Speed è un ottimo film che si pone tra i migliori lavori di qusto vero e proprio sotto filone, vedi Ticker-Esplosione finale o Blown Away-Follia esplosiva, destinato però a rimanere un episodio unico e difficilmente ripetibile, prova ne è che lo stesso team creativo, regista e sceneggiatore, si riunirà tre anni dopo Speed per sfornare il pessimo sequel Speed 2-Senza limiti, cercando invano di riproporre la stessa formula, la Bullock improvvida si lascerà tentare, Keanu Revees passerà la mano, e seguendo il fil rouge del primo film si sceglierà un villan di spessore reclutando Willem Dafoe, risultato? Tutto un altro pianeta, film anonimo, costosissimo e fracassone, e con un protagonista, il bravo Jason Patric, assolutamente inadatto al ruolo.